Jam Session Modern Music School

¡¡¡Ceremonia de entrega de los Primeros Diplomados Superiores de Rock y Nuevas Tendencias de todo el estado!!!

2011-07-20T09:50:00.000-07:00

El pasado domingo 3 de Julio del 2011 a las 12.00 h. se celebró en el auditorio del Museu del Rock ( Plaza las Arenas ), la primera ceremonia de entrega de los primeros licenciados y diplomados superiores de Rock en nuestro país, que han cursado sus estudios en la escuela de música Jam Session de Barcelona, primera escuela oficial de Rock y Nuevas Vanguardias.

El acto, fue presidido por el Sr.Jordi Martí i Galbis, recién nombrado Regidor del Districte de Sants Montjuic, el Sr. Josep Sicart Diputat del Parlament de Catalunya, el Sr.Albert Martínez Correro Conseller del Districte, y el Sr. Lluís Mate ( President A. VV. Font de la Guatlla).

Tras las presentaciones, Elisabeth Ventura, directora de la Escuela Jam Session, dio a conocer los nombres de los primeros Licenciados en Rock y Nuevas Tendencias de todo el país, que asistieron a la mesa a retirar sus diplomas. También se entregaron los de Grado Debut y Medio.

Sobre el escenario, el grupo de alumnos graduados de éste año interpretaron música que viajaba desde lo experimental ( vibráfonos tocados con arco, a modo de cuerda frotada), hasta clásicos de Peter Gabriel o Frank Zappa.

El auditorio mostró un lleno absoluto, y el excelente ambiente concluyó con una afirmación unánime: “Por fin en nuestro país, ya tenemos los primeros Licenciados en Rock”.

Más info:

Cemma presenta el 1r Seminario RockSchool en Málaga con la RockSchool Band de la Escuela Jam Session de Barcelona, y Roland Iberia como exponsores.

2010-12-09T07:30:00.000-08:00

Cemma presenta el 1r Seminario RockSchool en Málaga con la RockSchool Band de la Escuela Jam Session de Barcelona, y Roland Iberia como exponsores oficiales.

Cemma - Nuevo centro Rockschool en Málaga
La pasada semana comprendida entre el 20 y el 27 de Noviembre del 2010, se celebró el primer seminario RockSchool de Málaga en Cemma, el nuevo centro RockSchool de Málaga bajo la dirección de Juanjo José Rodríguez.

Entre los invitados más destacados asistieron el director Luis Blanco de la escuela Jam Session de Barcelona, primera escuela oficial de Rock y Nuevas Vanguardias de España y pionera de RockSchool en nuestro país, y el Jefe de Estudios Jeroni Pagan del mismo centro, que ofrecieron unas charlas sobre las titulaciones, su ámbito de influencia, salidas laborales, programas de estudios, sistemas de exámenes, próxima incorporación de titulaciones oficiales en producción, management, etc.

Vinieron acompañados de la Rockschool Band, la banda de los primeros titulados españoles en el Rockschool Grade, Titulación Oficial Europea de Rock equivalente al grado profesional, cuyos miembros actualmente se encuentran ya algunos, cursando los estudios superiores, y otros obteniendo el Diploma superior Teaching de Rockschool.

Entre las actividades más importantes cabe destacar los Clinics y el Concierto de Graduación que dieron la citada formación, además de los talleres y conferencias diversas durante toda la semana.

A modo informativo, podemos señalar las siguientes actividades más destacadas que se dieron cita durante estos días del seminario:

El Viernes 26, desde las 19:00, se organizó una Jornada de puertas abiertas y presentación de las Titulaciones Oficiales Europeas de Rock, mediante la cual se podían visitar las instalaciones, conocer el material didáctico de Rockschool, los planes de estudio, y poder consultar todo lo referente a estas titulaciones.

El Sábado 27, a partir de las 11:30, se ofrecieron unos clinics con los alumnos de grado superior de la escuela Jam Session de Barcelona, de Guitarra, Bajo, Teclado, Batería y Canto, e incluso, un simulacro de examen de RockSchool para todos los presentes.

El Sábado 27, a partir de las 19:30, se celebraron las audiciones de los alumnos de RockSchool de Cemma, dentro del auditorio del Conservatorio Profesional Manuel Carra, y para finalizar la jornada, se ofreció el concierto de Graduación de la Rockschool Band de la escuela Jam Session de Barcelona que además de interpretar todos los temas del Grade 8 de RockSchool, interpretaron además temas de Pat Metheny, Yellowjackets, Miles Davis y Marcus Miller entre otros muchos.

Cemma se ha convertido en la primera escuela de Andalucía en ofrecer Titulación Oficial Europea en Música Moderna en colaboración con la escuela Jam Session de Barcelona, y con Roland Iberia como expónsores oficiales, y habiendo sido acreditada por RockSchool y el Trinity College de Inglaterra como Centro Examinador en Málaga.

Todo el backline, tanto para los talleres, clinics y conciertos, fueron cedidos por gentileza de Roland Iberia, gracias a su sede en Málaga mediante la tienda Partitura sita en dicha ciudad, y el sonido tanto de monitores como de P.A para el concierto, por cortesía de Producciones Sonor Pro, con la participación de los alumnos de la escuela de sonido ART-Q también ubicada dentro del complejo de Cemma.

No podemos más que felicitar a la Escuela Cemma por su nueva incorporación a nuestra red, y agradecer a todos los participantes por el entusiasmo volcado en la celebración del evento, así como a nuestros colaboradores y partners por la ayuda necesaria para celebrar ésta interesante actividad.

¡Nuestra más enhorabuena a todos !

Fotos disponibles en: Archivo de Fotos para Cemma.

Videos de archivo en breve.

P.D.: Material Roland empleado en el Concierto de Graduación, y en los clinics y talleres en Cemma:

Drum Roland td-9kx, Monitor Roland PM-10, Amplificador Roland JC-120,Guitarra Epi LP Custom, Bajo Fender mexico, Pedalera Boss GT-10B, Ampli Roland CB-100, Piano Roland FP-4, Keyboard Roland Juno.

Gracias también a la Tienda de Roland, Partitura de Malaga, por facilitar todo el material.

Otras Noticias relacionadas con éste evento:
Periodico "La Opinion de Málaga".

Hasta Pronto:
Equipo de Jam Session
www.jamsessionescuelademusica.com

CLINIC-CONCERT CON ANDRE MALLAU TRIO 26-12-10

2010-12-06T08:46:00.000-08:00

ANDRE MALLAU TRIO ( Master Class & Concert by de Andrè Mallau Trio Viernes 26 a las 19:00 h.)

1ª Parte: Nota informativa que se publicó para los alumnos días previos al concierto:

El próximo viernes 26 de Noviembre a las 19:00 finaliza el International Drum Clinic Festival con una figura de primer nivel que os traemos desde Francia. La actuación en nuestro auditorio de Andre Mallau Trio.

Para los que no conozcan a Andre Mallau:Jefe del Departamento Superior de Batería en el Conservatorio de Perpignan y autor de varios libros didácticos más interesantes en el mundo de la batería, entre los que destacan:

1,2,3, Go Part I & Part II :

Steps to the Beat :

Andre ya nos visitó en el 2003 :
http://www.jamsessionescuelademusica.com/Clinics/AndreMallau/AndreMallau.htm

Andre Mallau nos confirma que además de sus anteriores libros anunciados, existen dos nuevos libros más de batería escritos por él y traducidos especialmente para venta en España, que pueden adquirirse en Barcelona a través de la editorial DINSIC:

Drum Set Total Update Vol. I

Drum Set Total Update Vol. II

Se trata, como podéis ver, de alguien muy concentrado en la música, incansable en la pedagogía y en la práctica, y del que vais a poder disfrutar en grupo el próximo viernes.

Podéis saber más de Andre Mallau en:
http://www.andremallau.com/

O escuchar su música en :
http://www.myspace.com/andremallau

A nivel músical, Andre se ha especializado en interpretar clásicos de Jazz y Rock pero tocados en compases de amalgama, lo cual le ha servido para ser considerado unos de los baterías más importantes de la escena vanguardista de Francia, entre los que destacan sus arreglos en temas de Police y Sting.

Para ésta ocasión, cuenta con un trío con el que interpretará música de Pink Floyd en amalgamas, y estará acompañado por :

Nicolas Lupovici, a la Guitarra : Profesor del Departamento de Jazz del conservatorio de Perpignan. Podéis ver un video en:

http://www.youtube.com/watch?v=Azilrglgjx8

Olivier Puisais: Bajo Mas info en:
http://www.olivierpuisais.com/

2ª Parte: Crónica del Concierto y Clinic de Andre Mallau Trío:

Andre Mallau : Batería
Nicolás Lupovici: Guitarra
Oliver Puisais: Bajo

Ultimo concierto del International Drum Clinic Festival en Jam Session Escuela de Música tras un mes agotador, y el aforo en el auditorio de la escuela mantiene una aceptación más que sorprendente. Tras una breve presentación en la que el director Luis Blanco agradece la asistencia al público y solicita a los alumnos y profesores todavía mayor implicación hacia la música en directo y menos hacia las redes sociales, el trío de jazz fusión liderados por el baterista Andre Mallau sube al escenario para abrir el clinic con una interpretación de corte jazzistico vanguardista ( si, vanguardista por que tras ver lo que ésta gente tocó en directo, uno se da cuenta de que nadie en nuestro país toca éste tipo de jazz-rock contemporáneo ) donde el pulso de la música se desplaza, pasando de la unidad de negra con punto, a corchea con punto, y blanca con punto entre otras equivalencias interpretadas en el mismo tema pero en distintas partes y a partir de determinados compases.

Decir a los alumnos, que éste tipo de equivalencias nosotros los estudiamos como ejercicios en el nivel 6 de Jam Session, pero que todavía no las habíamos visto a nadie poner en práctica en directo en nuestro auditorio. El resultado es que la banda acelera y ralentiza las diversas partes y/o estrofas de la estructura musical, sin dejar de sonar convincentes y sin vacilación, pues toda la banda al mismo tiempo las pone en práctica con absoluta destreza.

Entre tema y tema, nos habló también del efecto amalgama, y nos presentó varios ejemplos tocados con su banda en directo, ( nada de bases grabadas ), y nos explicó entre otros ejemplos, como en una frase de cuatro compases básicos de 4/4, del que surgen 32 corcheas, al cambiar las acentuaciones, puedes fabricar tres compases de 9/8 más uno de 5/8, consiguiendo ese efecto coincidente entre los músicos de su trío.

También nos explicó como divide los diferentes ritmos de la batería mediante conceptos clásicos como melodía, contrapunto, background,, etc…, y como alterna con los diferentes elementos de la batería pasando por ejemplo, la melodía de la caja a ser ejecutada con el bombo, mientras éste deja de hacer el contrapunto para pasar a tocar la melodía, y realizar diversas inversiones de éstos conceptos entre los diferentes elementos de su set.

Para no tocar jazz clásico como nos enseñan en las escuelas, André explicó que desde hace años en la vanguardia jazzística francesa incluyen el Hit Hat en los fraseos como elemento habitual, pero desplazando el acento sobre las diferentes corcheas del tresillo por cada una de las corcheas, mientras los músicos apoyan ese desplazamiento de acentos dentro de las mismas figuras. Más tarde desplazaría esas mismas acentuaciones del tresillo pero saliéndose del Hit Hat y utilizando los otros elementos de la batería y multiplicando así las posibilidades por los diferentes elementos del set. El resultado no es el swing convencional, sino un efecto sobre el que la banda se apoya para crear constantes cambios de swing y que curiosamente en Jam Session, después de más de una década de clinics y conciertos, no hemos visto a nadie tocar jazz así.

También dio un repaso a sus libros, y recordó su paso por Jam Session en 2003, donde presentó el revolucionario método de escalas aplicadas a ritmos, consistente en tocar negras en distancia de tono y una corchea sola a distancia de medio tono, creando ritmos diferentes a partir de los siete modos, a las que añadimos más ritmos mediante las escalas artificiales.Tono y medio, sería negra con puntillo para la escala armónica, por lo que la árabe tendría dos negras con puntillo, uno al principio y otro al final. La escala mayor de dos tonos, un semitono, más tres tonos y un último semitono, nos daría un ritmo africano de dos negras, una corchea sola, tres negras y una corchea suelta al final.

Este concepto se aplica con todas las escalas creando diferentes ritmos que se reparten por la batería.

Para más información de los que no estuvieron en el año 2003 :

http://www.jamsessionescuelademusica.com/Clinics/AndreMallau/AndreMallau.htm

Como no solo de jazz vive el músico, y demostrando una mentalidad abierta de la que nosotros en nuestro país solemos carecer, y ya que los franceses y su escena musical nos sigue llevando años y años de ventaja ( pues a nivel histórico, las grandes figuras del jazz de la época dorada, visitaban habitualmente el país galo como escena central del jazz en Europa, mientras que aquí todavía nos manteníamos por cuestiones históricas en nuestra dictadura alejados de la escena ya entonces vanguardista ), para acabar el clinic, interpretaron un concierto de clásicos de Pink Floyd , si… de Pink Floyd, has leído bien…, de un grupo de Rock…, en el que pusieron en práctica todo éste tipo de técnicas, demostrando la versatilidad de los músicos y consiguiendo un tipo de jazz-rock y jazz-fusión totalmente diferente al que estamos acostumbrados a escuchar.

Por último, siendo sincero y sin caer en aspectos comerciales, agradeció el sonido de su batería a la marca Santa Fé, por el trabajo realizado durante todos estos años, y también a platos Anatolian que expresamente enviaron a la escuela para la ocasión.

Fue sin duda, todo un descubrimiento el tener en casa éste género de jazz-rock contemporáneo de la vanguardia francesa en nuestro auditorio y prácticamente desconocido aquí.

Os mostramos algunas fotos en el enlace más abajo, pero para los que si asistieron, tenemos video y audio y podéis solicitarlo en secretaría.

Todas las fotos en:
Archivo de fotos International Drum Clinic Festival 2010

Hasta la próxima!!!
Equipo de Jam Session
http://www.jamsessionescuelademusica.com/

CLINIC-CONCERT CON ANGEL CRESPO & GROUP 23-11-10

2010-12-02T08:53:00.000-08:00

Master Class & Concert by Angel Crespo & Group, Martes 23 de Noviembre a las 19:00 h.

1ª Parte: Nota informativa que se publicó para los alumnos días previos al concierto:

Breve Biografía:

Para que no conozca a Angel Crespo, decirle que es uno de los baterístas profesionales más importante de nuestro país, siendo premiado como el mejor “Batería Todo Terreno” del año 2002 por la revista Batería Total, y habiendo grabados discos y acompañado a artistas nacionales de la talla de:

Miguel Rios, Alejandro Sanz, Sergio Dalma, Victor Manuel y Ana Belén, Duncan Dhu, Sergio y Estivaliz, Amistades Peligrosas, Juan Perro, Complices, Danza Invisible, Miguel Bosé, Ketama, Rosendo, José Luis Perales, Javier Gurruchaga, OBK, Pereza, Sole Jiménez, Joaquin Sabina, Zucchero, Luz Casal, entre otros muchos imposibles de nombrar por falta de espacio…, y grabando varias de las bandas sonoras para películas de Pedro Almodóvar entre otras.

Tras una audición con los miembros del grupo Queen: Brian May, Roger Taylor y Mike Dixon es elegido batería titular del musical "We Will Rock You" y actualmente es el batería oficial del musical "Forever King Of Pop" de Michael Jackson durante todo éste mes en Barcelona, y, el próximo martes 23 de Noviembre, Profesor e invitado de lujo en Jam Session Escuela de Música por segunda vez ( pues ya nos visitó allá por el 2002 ), dentro del Marco del International Drum Clinic Festival 2010 at the Jam Session School.

Os dejamos algunos enlaces para más información:
http://www.angelcrespo.com/
http://www.myspace.com/angelcrespomusic

Os recordamos que en ésta ocasión, Angel Crespo ofrecerá un “Clinic – Concert” en nuestro club auditorio el próximo martes 23 a las 19:00 h acompañado por la siguiente banda:

Angel Crespo: Batería
Pep Poblet : Saxo ( http://www.peppoblet.com/saxology)
Adrián Bartol: Bajo ( http://www.myspace.com/adrianbartol )
Oliver Martín : Guitarra (http://www.myspace.com/olivermartindelacruz )

Perderse éste clinic,, es perderse parte de la historia de la música. Y ahora tenéis la oportunidad de aprender algo de la mano de Angel Crespo directamente en vuestra casa.

POR FAVOR , NO PODEMOS IMPROVISAR EL ACCESO. PARA ACCEDER AL CLINIC ES NECESARIO CONFIRMAR LA ASISTENCIA, PUES LAS PLAZAS SON LIMITADAS AL ESPACIO DEL AUDITORIO.

En espera de vuestra confirmación, recibid un afectuso saludo:
Equipo de Jam Session
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2ª Parte: Review y Crónica del Concierto.
Crónica del Concierto y Clinic de Angel Crespo Band.

Angel Crespo: Batería

Pep Poblet : Saxo

Adrián Bartol: Bajo

Oliver Martín : Guitarra

Martes 23 de Noviembre del 2010 a las 19:00 h, el auditorio de la escuela de música Jam Session respira cierto nerviosismo al mismo tiempo que muestra un lleno absoluto.

Tras una breve presentación por parte de la organización sobre la figura de Angel Crespo ( que ya es viejo conocido aquí, pues su primera visita se remonta al 2002 y desde entonces participa tanto en los libros como en el material didáctico de la escuela ) el grupo de acompañamiento de Angel Crespo sube al escenario ante un público expectante.

Comienzan ritmos de Funk con el groove perfecto de Angel acompañado de forma muy precisa por Adrián Bartol al bajo y Oliver Martín a la guitarra, y sobre el que nuestro compatriota Pep Poblet al Saxo dibuja sus características melodías cargadas de energía procedentes de su último disco Saxology.

El público asiste atónito a una presentación brillante que promete una música excelente y en distancia corta.
Tras un primer demoledor tema, Angel se levanta de su batería, acerca una caja a la primera fila del auditorio y sentado ahora frente al público comienza a desgranar los secretos de su afilada técnica que acaba de destacar en su primer tema de la tarde.

Para ello Jam Session reparte entre los asistentes unas hojas que muestran parte de los ejercicios que Angel aconseja a los estudiantes.

Entre explicaciones, la banda realiza intervenciones así como temas íntegros, y entre los mismos, Angel aprovecha para intercalar explicaciones didácticas.

En una ocasión, un alumno advierte los desplazamientos que Angel interpreta al estilo de Vinnie Colaiuta, y para mostradlos a toda la audiencia, hace subir al estudiante y le pide que toque sobre la caja un ritmo de figuras negras a modo de metrónomo, mientras él toca un ritmo base en la batería.

Al cabo de unos compases, Angel comienza a desplazar el ritmo mediante desplazamiento de corcheas, pero el alumno tiende a mover el tempo del metrónomo tras escucharle en los desplazamientos para adaptarse a ellos.

Angel pide al estudiante que no le escuche tocar el ritmo, que se concentre en mantener el tempo, y tras varios intentos fallidos, pudimos al final aislar algo los desplazamientos y oírlos solo con la batería.
Nos habló de cómo estudiar los acentos con stickings concretos. Una forma para los grupos pares y otra para los impares. También señaló que el hecho de agrupar notas en grupos de 3, 4 , 5, etc…, no implica necesariamente que sean tresillos , cuatrillos o quintillos, aspecto que demostró escribiendo en la pizarra todos los ejemplos y cambiando sus acentos.

También nos habló de su forma de afinar la batería ( para nostálgicos ver el reportaje del anterior clinic en 2002 http://www.jamsessionescuelademusica.com/Clinics/AngelCrespo/AngelCrespo.htm ) aunque desde entonces , a evolucionado también en su forma de afinar incorporando nuevas notas melódicas a la batería.

Angel también habló de sus influencias, y de cómo a evolucionado desde la primera vez que siendo un niño, vio a Billy Cobham con la Mahavishnu Orchestra quedando totalmente hechizado, y que aunque ahora tiene otros baterías que le interesan más, reconoció que fue éste quien encendió la chispa de su carrera.

Para el saxofonista su influencia fue Weather Report ( el disco 8:30 ) , para el guitarrista Metallica, y…¿ para el bajista…,?, el grupo de sus amigos donde todos eran guitarristas y alguien tenía que tocar el bajo. ¿ Curioso eh?. Como siempre decimos en Jam Session, tocar un instrumento que no es el que tocan todos, te asegura más trabajo y un mejor futuro.

Al finalizar el clinic, se desarrolló de forma improvisada una especie de debate sobre la deficiente escena musical, la caída de la industria y del sector, y la falta de cultura musical que se observa en los medios de comunicación, y que fatalmente ha alcanzado también a la población.
Entre otros defectos, se acusó al sistema actual de haber promocionado la música gratis y de haber mal acostumbrado a la población a que todo se subvenciona con dinero publico haciendo creer a la gente de que no es necesario pagar por ello, y que lo que hemos conseguido así, es una población pasiva que no muestra interés por nada musical y que no está dispuesta a pagar por nada perdiendo así todo el sacrificio y esfuerzo que la música precisa para ser valorada.

A los redactores de Jam Session nos parece lógico que estos debates se abran, pero para nosotros en Jam Session, es un tema ya ampliamente y excesivamente discutido, y que en nuestra opinión, el culpable es también en muchas ocasiones el que se queja por ello, pues la mayoría de la gente no hubiera asistido a éste clinic si se hubiera tenido que pagar entrada, pues aunque el clinic era gratis para el público, la escuela lo pagó todo a fondo perdido.
El cambio de actitud por el bien de la música, debería comenzar por uno mismo. El clinic era gratis, pero no era gratuito. La música debe valorarse porque en el fondo no es gratis, aunque lo parezca, pero deberíamos de hacerla valorar desde nuestra propia actitud.
Eso significa, pagar por un disco bueno en vez de bajártelo gratis.
Eso si es hacer un cambio de valores, pero no vale quejarse cuando en realidad no estamos dispuestos a cambiar nada en cuanto nos toca pagar a nosotros.

En cualquier caso, y más allá de filosofías ya discutidas, fue emocionante ver música en directo de tal calidad y en una distancia tan corta, pero con músicos de una experiencia tan larga.

Para finalizar ésta crónica, queremos señalar, que independientemente del currículum de nuestro invitado, éste destaca por su exquisita educación, una perfecta capacidad tecnica, y una calidad humana digna de admiración.

Todas la fotos del Concert Clinic disponibles en:
Archivo Fotos International Drum Clinic Festival at Jam Session School

Equipo de Jam Session
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CLINIC-CONCERT CON GRANT COLLINS 12-11-10

2010-12-02T07:09:00.000-08:00

CLINIC-MASTER CLASS de Batería GRANT COLLINS 12-11-10 a las 19:00 h.

1ªParte: Presentación.

Nota informativa que se publicó para los alumnos días previos al concierto:

Desde Australia, nos visita, una vez más, nuestro viejo amigo Grant Collins.

La cita será el próximo viernes día 12 a las 19:00h en el Auditorio de la escuela, dentro de la programación del INTERNATIONAL DRUM FESTIVAL organizado por JAM SESSION ESCUELA DE MUSICA con la colaboracion de ROLAND IBERIA, y que ofrecerá una Master Class donde seguirá sorprendiéndonos con sus habilidades.

Podéis leer la entrevista con nuestro director Luis Blanco y el review del Clinic que ya realizó en la escuela allá por febrero de 2009:

CLINIC CELEBRADO EN EL 2009

Mas info sobre nuestro anfitrión:

http://www.grantcollins.com/

http://en.wikipedia.org/wiki/Grant_Collins

http://www.jamsessionescuelademusica.com/prensa/prensa158.htm<
Os esperamos a todos.
Jam Session
www.jamsessionescuelademusica.com

2ª Parte: Crónica Review.

Crónica del Clinic de Grant Collins viernes 12 de Noviembre del 2010 a las 19:00 h en Jam Session Escuela de Música:

Grant Collins es sin lugar a dudas, uno de los mejores baterías en todo el mundo. Reconocido desde EEUU hasta Australia , se ha especializado en la demostración de complejas habilidades rítmicas más allá de tocar con una banda de Rock o de Jazz.

Grant Collins toca con orquestas sinfónicas y escribe él mismo algunas de las composiciones que dichas orquestas tocan acompañándole.

Es por tanto, el único batería en el mundo conocido por especializarse en ésta rara habilidad.

Recientemente acaba de grabar en Europa con la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Perpignan, en Francia, dirigida por Daniel Tosi , en la que ha interpretado un concierto de fusión entre clásico y progresivo, en el que tocó temas del propio Tosi y también varias piezas divididas en diversos movimientos escritos por el propio Collins.

Y una vez más, a su paso de gira por Europa, pudimos desplazarle un día a nuestra escuela para intentar aprender algo de alguien tan fuera del sistema clásico para los baterías, y para los no baterías también, pues Grant solo toca en grandes espectáculos y en teatros junto a las orquestas más importantes del mundo, espectáculos que lógicamente no se dan en nuestro país.

Collins es también conocido a nivel mundial por su increíble set en el que llega a tocar con 5 bombos y 17 pedales para poder aplicar el concepto de Orquesta sinfónica llevada a la batería tal como puede comprobarse en Wikipedia. Lógicamente no viaja por Europa con una batería de estas condiciones, sino que es su marca quien se preocupa de confeccionar el set en cada país por el que pasa.

Pero gracias a nuestra amistad, y a la excelente relación existente con el conservatorio de Perpignan, pudimos un año más ocupar un día libre que le quedaba en su agenda personal antes de volar a Australia , y disfrutar de su presencia con los alumnos y profesores en Jam Session.

Intentamos entre todos conseguir lo mínimamente necesario para llevar a cabo un mini-espectáculo que duró dos horas casi ininterrumpidas y repletas de extravagantes ritmos prácticamente imposibles de tocar para cualquier ser humano, sino fuera porque él los tocaba. Su música, de corte progresivo entre Rock y Jazz Fusión navegando entre extrañas amalgamas, hicieron del concierto un desafío a la coordinación y a la independencia que demuestra que en el mundo de la batería, Collins es todo una rareza.

Tras el concierto, entre los asistentes le preguntaron cual era el ejercicio de calentamiento para iniciarse en la independencia, a lo que Grant comentó:

“ Con un pie toco a corcheas, con el otro tresillos, con una mano quintillos, y con la otra seisillos, mientras canto con la voz una melodía a septillos. Luego desplazo todas éstas figuras por cada uno de los miembros, multiplicado por cada uno de los elementos del set, y después de esto, ya puedo empezar a estudiar”.
Humor, destreza , precisión y calidad humana. Verlo para creerlo.

Todas las fotos en :

Archivo Fotos International Drum Festival at Jam Session School

También estamos recopilando todos los videos, por favor, deja una copia en recepción pues vamos a enviarle a Grant todas las filmaciones.

Hasta pronto
Equipo de Jam Session
http://www.jamsessionescuelademusica.com/

CLINIC-CONCERT CON DANIEL ERLANDSSON DEL GRUPO ARCH ENEMY 05-11-10

2010-12-02T04:16:00.000-08:00

PRESENTACION Y REVIEW DEL CLINIC CONCERT DE DANIEL ERLANDSSON

1ª Parte: Info remitida días antes del clinic:

El próximo mes de Noviembre se celebrará en Barcelona el INTERNATIONAL DRUM CLINIC FESTIVAL 2010, en el que ROLAND IBERIA, es esponsor oficial de dicho evento, en la escuela oficial ROCKSCHOOL de música moderna de Barcelona JAM SESSION, primera escuela de Rock y nuevas vanguardias de España.

El festival se inaugurará el próximo 5 de Noviembre con la actuación estelar del Batería Daniel Erlandsson traido desde Suecia en exclusiva, para el evento en cuestión, en el que tocará con una ROLAND TD-20KX.

A continuación detallamos fechas del cartel:

*Desde Australia, el gran Grant Collins actuará el próximo 12 de Noviembre.
*El 23 de Noviembre desde Madrid, Angel Crespo.
*El festival se cerrará el próximo 26 de Noviembre con la actuación de Andre Mallau con su banda en directo.

¿Os lo vais a perder?

Noticia original extraída de:

ROLAND INTERNATIONAL DRUM FESTIVAL EN JAM SESSION SCHOOL BARCELONA

Otras noticias similares:

Workshops de Daniel Erlandsson en Barcelona y Sevilla.

2ª Parte: Review del Clinic :

Crónica del Clinic de Daniel Erlandsson:

Viernes 5 de noviembre.
Lugar: Escuela de musica Jam Session en Barcelona.

Alrededor de 150 personas se reunieron en la sala de conciertos de la escuela para presenciar la actuación de Daniel Erlandsson (baterista del grupo Arch Enemy) junto con la batería Roland TD-20KX.

Daniel presentó la nueva batería Roland TD-20KX dentro del International Drum Clinic Festival 2010 at Jam Session Music School. Su presencia levantó una gran expectación, pues una hora antes del evento ya había espectadores esperando para entrar en la sala.

Durante mas de 40 minutos Daniel Erlandsson hizo un repaso a algunos de los temas que forman parte del repertorio de su grupo Arch Enemy, asi como algunos temas propios. Golpeando con gran velocidad y gran fuerza, los presentes pudimos comprobar cómo la nueva TD-20KX es capaz de soportar uno de los estilos musicales mas duros sin ningún problema.

Las posibilidades de edición y configuración del módulo TD-20X de Roland permitieron que Daniel pudiera interpretar sus canciones con el sonido característico de su estilo musical, demostrando así que no hay sonido ni baterista que se le resista.

Al final del evento se sorteó el sampler Roland SPD-S que Daniel utilizó durante su actuación entre todos los asistentes. Después de esto, Daniel nos deleito con otro de sus temas y realizó una pequeña sesión de preguntas y respuestas sobre su técnica y sus sensaciones al tocar una batería como la TD-20KX.

Desde Roland Iberia queremos dar las gracias a todos aquellos que estuvisteis presentes en el evento, asi como a la gente de Jam Session por darnos la oportunidad de realizar este clinic en sus instalaciones.
Noticia Original extraída de:
RolandIberiaReview.

Todas las fotos en:
Archivo de Fotos Interantional Drum Clinic Festival at the Jam Session School

Equipo de Jam Session:
www.jamsessionescuelademusica.com

INTERNATIONAL DRUM CLINIC FESTIVAL AT JAM SESSION MUSIC SCHOOL BARCELONA NOVEMBER 2010

2010-11-30T03:26:00.000-08:00

INTERNATIONAL DRUM CLINIC FESTIVAL AT JAM SESSION MUSIC SCHOOL BARCELONA NOVEMBER 2010

El próximo mes de Noviembre se celebra el Internacional Drum Festival en la escuela de Música Moderna Jam Session de Barcelona. Primera Escuela Oficial de Rock y Nuevas Vanguardias de España.

Os hemos preparado cuatro clinics con los mejores baterías del panorama profesional actual.

Toda la información podéis descargarla de los siguientes enlaces:

PDF: INTERNATIONAL DRUM CLINIC FESTIVAL NOVEMBER 2010 AT JAM SESSION MUSIC SCHOOL

NOTA DE PRENSA : Nota Online

¡¡¡INTERNATIONAL DRUM FESTIVAL NOVEMBER 2010!!!

¡¡¡CARTEL!!! Y ¡¡¡PDF EXPLICATIVO!!!.
5-11-10 Desde Suecia DANIEL ERLANDSSON, baterísta de ARCH ENEMY.
12-11-10 Desde Australia GRANT COLLINS.
23-11-10 Desde España ANGEL CRESPO ( Concierto a trío más clinic ).
26-11-19 Desde Francia ANDRE MALLAU ( Concierto a trío más clinic ).
15 Y 16 DE NOVIEMBRE DESDE INGLATERRA EXÁMENES OFICIALES ROCKSCHOOL (LISTAS YA CERRADAS).

PROXIMAMENTE REPORTAJE DE CADA CLINIC.

PODÉIS ENVIAR FOTOS, VIDEOS, COMENTARIOS, ETC...,

TODO LO RECIBIDO SERA PUBLICADO EN ÉSTE ESPACIO.

HASTA PRONTO
EQUIPO DE JAM SESSION
www.jamsessionescuelademusica.com

Master Class y Concierto de Piano sobre el Rag Time 13-02-10

2010-04-24T05:37:00.001-07:00

Master Class y concierto de piano sobre la historia y repertorio del Rag Time. Proyeccción de una película muda "Rostro Pálido" de Buster Keaton, con música improvisada a cargo de nuestro profesor Martiriá de Borja, efectuada sobre las imágenes en directo. Demostración de las técnicas de piano para dicho estilo y ejemplo de improvisación. Explicación social sobre esa época, historia y vida de Scott Joplin. Más información en los enlaces.

Información completa:

1ª Album de fotos y Cartel del evento :

http://picasaweb.google.es/jamsessionescolademusics/MasterClassDePianoRagTimeACargoDeMartiriaDeBorja13210#

2ª Pdf Explicativo :

http://www.jamsessionescuelademusica.com/Docs_Pdf/historiadelragtime.pdf

3ª Audio y entrevista:

http://www.megaupload.com/?d=JDI9PAVM

Si no conoces Megaupload, no hay que inscribirse. Este enlace te llevará a una página desde donde podrás descargar el archivo. Te hará esperar un minuto, y pasado este, te mostrará un botón que tendrás que pulsar para empezar a bajarlo. Con un ADSL normal tardará menos de 10min en bajar.

Daniel Blanco.

Clarinetista de Jam Session y entrevistador.

CLINIC MASTER-CLASS “Música improvisada bajo la influencia de la imagen”, a cargo de Arturo Blasco. 20-12-09

2010-01-04T09:28:00.000-08:00

Entrevista a Arturo Blasco minutos antes del clinic

( entrevista realizada por Daniel Blanco, clarinetista de Jam Session Escuela de Música ).

Entrevista al guitarrista Arturo Blasco realizada el martes 17/Nov/2008, previa a su clinic en la escuela de música Jam Session.

Antes de entrar en materia, quiero agradecer a Jam Session la confianza que me brinda al permitirme hacer por un día de “reportero dicharachero” entrevistando en su nombre a Arturo Blasco poco antes del clinic que dió el pasado 20 de Noviembre en la sala de actos de la escuela.

Daniel Blanco.-

DB: ¡Hola Arturo!

AB: Hola, buenos días.

DB: Quería hacerte unas cuantas preguntas de cara al clinic que vas a hacer en Jam Session este Viernes día 20 de Noviembre de 2009, entonces, bueno, eh... como no sé exactamente por dónde empezar...

AB: ¡Bueno! Empezamos por la fecha...

DB: Por la fecha ¡ya está! es Viernes.

AB: ...la fecha es el Viernes 20 de Noviembre, que murió un personaje muy famoso, que fue Durruti.

DB: ¿Durruti murió el 20 de Noviembre? No lo sabía.

AB: Durruti murió el 20 de Noviembre, y yo me enteré ayer porque lo dijo Sabina en la tele, y entonces le comentó Buenafuente: “Hasta para eso lo fastidió Franco, porque también se murió el mismo día“, pero bueno, vamos a celebrar la muerte de Durruti.

DB: Pues bien, es un día emblemático y ahora van a haber más motivos para que sea todavía más emblemático, con un clinic en Jam Session.

AB: Si, claro.

DB: Bueno, pues empezaremos por la pregunta más general, y probablemente la más difícil: ¿Qué es la música?

AB: ¿Qué es la música? Claro, cuando respondes con una pregunta es porque estás dándote un tiempo para pensarlo, porque la música o puede ser un arte, una expresión artística, o puede ser algo que una señora - o un señor - canta cuando está haciendo la cama, eso ya es música. O puede ser el orden más mágico, fundamental, real y sincero, que es cuando una madre canta a su niño una nana, eso es música de verdad. Para mi, eso ya es música.

Entonces, la música, es... bueno pues ya sabemos lo que es y más en una escuela, tu ya sabes lo que es la música o de qué se compone, porque nunca se dice lo que es sino de qué se compone: “La música se compone de ritmo, melodía, armonía, dinámica, etc.” ...pero todo eso son técnicas para obtener un resultado sonoro. Por ejemplo, cogemos una copa... [hace como que golpea una copa] ”ting” ...cualquier cosa que tenga armónicos, esto no [golpea la mesa], cualquier cosa que tenga armónicos, eso ya puede producir música.

DB: He cometido un error, no te he presentado. Yo te conozco y sé alguna pincelada de tu currículo porque lo he visto en tu página web, sé que has tocado con gente sobradamente conocida del mundo del Rock y del Jazz y querría hacer una presentación adecuada, pero a mi me gusta conocer a las personas a través de su día a día, de lo que hacen, más que por lo que pueda decir un papel: ¿Qué me puedes contar tú de Arturo Blasco?

AB: Es que precisamente la idea de esta master class es la de recoger lo que he hecho durante estos cuatro últimos años, desde que estoy en la escuela. La idea surge de hablar con Luís, con el director de la escuela, y comentarle que estaría bien que los profesores hicieran este tipo de cosas. Que enseñaran, sin llegar a convertirlo en ninguna competición, un poco de lo que hacen ¿no? Porque está bien la actitud pedagógica de la escuela, los objetivos, toda la metodología, pero, claro, la idea es mostrar lo que haces, porque yo, por ejemplo, doy clases de lunes a jueves; y viernes, sábado y domingo por la mañana me dedico a componer, y a crear cosas.

Entonces, el Arturo Blasco de hoy en día no tiene nada que ver con el Arturo Blasco de hace seis años ya, u ocho, diez, o quince; pero yo creo que ha tenido una trayectoria musical bastante amplia. Porque me gusta todo tipo de música, y todo tipo de estilos. He estado con grupos de Rock, con grupos de Jazz, he grabado muchísimo, he estado trabajando en el cine; y el cine sí que es verdad que a mi me cambió un poquito porque he estado con grupos muy grandes, con mucha gente, y me enseñó mucha humildad. Es decir, el cine te enseña la capacidad de hacer cosas para un grupo mucho más grande. Porque, hacer una película igual son 150 personas, cada uno tiene su labor y toda junta es lo que hace que la película vaya para adelante. La fotografía, los actores, vestuario, maquillaje, ...todo es importante, y la música es sólo una parte más de ese todo. Es tan importante como cualquier otra, pero es sólo una parte; y uno tiene que acostumbrarse al ritmo de la película o a lo que exija el guión, ...o el director, sobre todo. Entonces, sobre esto es de lo que quería hablar y voy a hablar en el clinic,.

El mundo del Rock 'n' Roll o el mundo del Jazz es mucho más vanidoso ¿no?, o sea, alguien coge su instrumento y no deja, no para de hablar. Entonces quizás eso sea [vanidad], pero no tiene porqué serlo, es decir, todo tiene una doble función, y esa capacidad de expresar es formidable ¿no?, y también me interesa, claro que me interesa.

DB: Uno de los temas fundamentales va a ser la improvisación.

AB: Sí, al final. Pero la idea de la Master Class es que vaya de una cosa tonal a una completamente atonal y microtonal. Que sea de lo más uniforme, consonante, a la disonancia más brutal, ese será el desarrollo.

DB: ¿Sonido acústico o electrónico?

AB: Pues ambas cosas, porque todo es sonido. Ya te he dicho lo de la copa, para mi son esenciales los timbres. Cuando compones piensas en timbres, y piensas en tramas pictóricas. El sonido, en mi caso siempre es humano, porque la idea no es usar algo pregrabado. Es trabajar sobre algo que sale y que además no puedo guardar, conscientemente, no quiero guardar nada. Ahora hay máquinas que venden que puedes guardar vía MIDI. No quiero guardar nada. Tiene que ser todo de lo más efímero. Tu haces una nota, te quedas con esa nota y a partir de ahí desarrollas. Con la “Música para las palabras” se ve muy bien, porque ahí yo también oigo sonidos. Aunque conozca el poema, intento no llevarlo al raciocinio, sino a lo que oigo, como sonidos, y eso es lo que yo desarrollo de una manera paralela. Esa es la idea. Osea, que la electroacústica y la electrónica las uso con criterio humano, siempre, en mi caso.

DB: Es un medio.

AB: Claro, es un medio. Es otro color. Es como... ahora con el ordenador, fíjate, tienes millones de colores. Antes tenías el blanco, el negro, y los grises que tu eras capaz de sacar con la mezcla, pero ahora hay una gama de enorme, y todos numerados. Eso a mi me parece terrorífico, porque yo quiero seguir sacando grises con la mezcla y... ¡ostras qué bonito es este! ¿no? y desarrollar, quedarte con ese gris... ya te digo, tiene que ver mucho con la música para la imagen. Para el cine, para las palabras, o “para algo”. No sólo la guitarra.

DB: Porque la música para la imagen es el área en la que estás trabajando principalmente en este momento ¿no?

AB: Sí, pero es sólo una de las áreas, porque tengo un grupo también, hago producciones para otros grupos, arreglos. En la banda que tengo en Vitoria “Chatarrería Keaton” lo que hacemos es coger cortos de Buster Keaton y musicarlos previamente, pero de una manera tonal. Sabemos el tono y una figura rítmica, lo demás es improvisación. Entonces, claro, la capacidad de concentración allí es... esa adrenalina, es brutal, porque yo no sé de antemano lo que voy a tocar. Eso es lo que realmente sí me emociona.

DB: Una de las cosas que quería preguntarte es justamente qué hace falta para poder improvisar, porque a priori no parece que sea fácil.

AB: Bueno, conocer. Supongo que conocer, cuantas más técnicas conozcas más puedes usar. Tu te puedes hacer una buena ensalada, pues, como había antiguamente en Francia esas mesas enormes con bandejas llenas de ingredientes. Cogías un poco de aquí, un poco de allí, y te hacías la ensalada a tu gusto. Pues con la música pasa igual, cuantas más técnicas conozcas mejor; pero tiene que ser honradamente, claro. Es decir, que las conozcas un poco en profundidad y no las uses de una manera superficial. Y luego, no olvidar que la música va unida a la pasión; que lo he dicho antes entre líneas: Cuando una madre canta a su niño, sin pasión es imposible. La música va unida a la pasión, y eso hay que considerarlo siempre.

DB: ¿Es importante que una persona aprenda música, aunque no vaya a dedicarse a ella?

AB: Yo creo que sí, y yo creo que no. Los contrarios son fantásticos. Es decir, hay gente a la que le pones en un conservatorio y le matas. Porque su capacidad de intuición está siendo quemada constantemente; pero si esa persona es capaz de reaccionar ante eso... Es decir, si tu aprendes y dominas las técnicas, todas del mundo, como decía Picasso, ...pero que luego no se te olvide olvidarte de ellas, si no, te quedas aferrado a una cosa y te vuelves un ortodoxo de un sistema, sea cual sea, o de un estilo. La idea es mucho más que eso, es hacerte caso a ti mismo. Yo siempre les pregunto a los alumnos ¿y a ti qué música te gusta? pero la que les gusta de verdad, pero no la que se compra y luego no se vuelve a oir más. Porque igual son Los Chichos los que te gustan; porque necesitas llegar a casa y oir eso porque te relaja. Osea, hay que ser honrado con uno mismo, y de lo que te gusta de verdad, de ahí, ir descubriendo tu lenguaje.

Pero eso vale para cualquiera, no hace falta que uno sea músico ni alguien que vaya a dedicarse a la música. Hay que conocer. Yo no me voy a dedicar a la cocina, y quiero conocer todos los elementos que la componen. Porque me gusta el arte en general, todo, la literatura, intento leer lo que puedo, y con la música igual, intento llegar a la esencia. Otro de los ejercicios buenos es, si te gusta un guitarrista o un pianista, es saber qué oía él, y así llegar a la base de su estilo. Lo que me gusta de las cosas es su esencia. La esencia de un creador, da lo mismo que sea Ferrán Adriá o Paco de Lucía, sea un creador que trabaje con la guitarra, con la palabra o con el fogón, da igual.

DB: Claro, tratando de seguir los pasos que ha seguido él antes puedes descubrir su mismo camino para llegar al mismo sitio, o a otro, porque cada persona hace su propia interpretación, su propio viaje dentro del viaje de otros.

AB: Claro, es eso. Sí, sí.

DB: Te iba a preguntar qué va primero, si la intuición o la técnica, pero en parte ya me lo has respondido.

AB: Pero se puede volver a responder, porque la intuición, lo más grave que puedes hacer es taparla con la técnica. La técnica tiene que ser, ...pues el mejor ejemplo que encuentro es el de los colores. Es como estar obsesionado por obtener todos los colores numerados del catálogo. ¡Qué va!: Haz mezclas. Consigue los colores mezclando. Entonces te enriqueces tu, y obtienes la experiencia que te permite hacer eso. Lo que pasa es que hoy en día, con la velocidad que va todo ...pues es como que te hace pensar que “esto ya lo ha probado otro y yo mejor me quedo con el resultado”, que lo mismo es una frase cortita que hacía John Coltrane o Charlie Parker. Pues no: Lo mejor es descubrir cómo llegaron Coltrane y Parker a sus conclusiones, y desde allí tomar tu propio camino. Es más duro pero es más honrado y más personal e instransferible.

DB: Probablemente será también más enriquecedor. La técnica es necesaria, te da seguridad, pero no hay que convertirse en un fundamentalista de la técnica, porque entonces te aprisiona.

AB: Claro. Lo que pasa es que hay gente a la que le va bien hacerlo de la otra forma. A nivel técnico, pues tienes a los “Guitar Hero” que tienen una técnica brutal. En sí mismo ya se ha convertido en su propio lenguaje. Pero yo ahí no me meto. Es estupendo, pero a mi no me interesa para nada.

DB ¿”Guitar Hero”? ¿Te refieres a esos programas de ordenador para 'tocar' música?

AB: No. Me refería como un ejemplo a los guitarristas que tocan muy, muy, muy veloces, que hacen unas cosas brutales que casi parecen de circo. Está muy bien todo lo que consiga sacar una exclamación del público ...pero yo soy más de conseguir sacar los pelillos de punta ¿sabes? Me gusta más la sensibilidad, estar más cercano a la emoción que al espectáculo, al “¡y ...ooootra vuelta más!” de aquel que ha hecho, no tres, sino cuatro saltos mortales. Yo no tengo ningún interés personal en eso.

DB: Aprovechando que ha salido el tema, en este último año han salido toda una série de videojuegos que, pretendidamente, permiten que la gente que no sabe pueda tocar música usando unos instrumentos muy sencillos, que tienen cinco o seis botones – que hasta donde yo sé no me consta ni que coincidan con las escalas más simples (pentatónicas, etc) -, y la gente los utiliza para hacer acompañamientos a través del ordenador sobre temas, básicamente, de música pop. ¿Los has visto alguna vez? ¿Sabes en qué consisten? ¿Lo ves como algo bueno o malo?

AB: No quiero entrar en lo de bueno o malo, pero, no me interesa a mi personalmente. No los he visto, ni siquiera, pero si tengo un alumno de ocho o diez años ...oye, déjale que goce y que juegue con eso. ¿Que tiene tres botones? ¡Estupendo! ¿Y si puede hacer música? ¡Mejor! El, luego, si sigue, pues se supone que llegará un momento que madurará y ya no le valdrá para nada. Tendrá una necesidad, porque la música es algo que alimenta el alma, la búsqueda, la necesidad de sacar una cosa. Porque en el fondo el que escribe, escribe para relajarse, el que pinta, pinta para relajarse, y el que crea, crea para relajarse. Pero hay un camino, un poco doloroso de recorrer, que cuando lo superas te quedas muy bien.

DB: Es el camino doloroso del aprendizaje.

AB: ¡Claro! Este tipo de cosas lo que hacen es acortarlo. Son como... antiguamente había gente que era capaz de ir de Granada a Francia, por ejemplo cuando la guerra, andando. Lo otro es como si cogieran un avión en Granada y sin esperas ni nada, les llevaran directamente a Francia. Sin darse ni cuenta ya están allí. Pero todo ese camino que otros anduvieron desde Granada a Francia, eso, ellos no lo tienen.

DB: Hoy se viaja más que nunca, pero se ha perdido el viajar, que es la experiencia vital del tránsito de un lugar a otro.

AB: Los músicos lo tenemos bien porque siempre vamos a sitios que te los enseñan bien. Tenemos esa suerte; pero también es algo que te lo has buscado tú, cosechas lo que siembras, y a mi me interesa conocer. Si mi música sirve para algo, pues fantástico, pero sobre todo lo hago para recorrer el mismo camino que ha recorrido otra gente, para conocer. Todas esas cosas que te quitan trabas, “no pues esto, fíjate, que lo hace más rápido”, ...pero es que yo no quiero rapidez, yo quiero pasar el proceso para ver el todo, y de allí ya extraeré luego lo que necesite. Ahora ya sé conectar un ordenador y ponerme a grabar. Pero en los 80 cuando compré el primero, aquello era un follón impresionante. Pero todo ese proceso te hace madurar ...y siempre, es lo que decía Picasso de los ordenadores, que “lo peor es que no te hacen preguntas, sólo te dan respuestas”, y yo quiero preguntas. Yo no quiero respuestas, tengo las mías, o las de mi gente, la gente con la que tienes química.

Otra cosa que me ayudó mucho en el camino conocer qué es la música, ...sigo en la primera, que es fundamental esa pregunta, es muy buena, ...es hablar de ella. En Vitoria yo hablaba con los músicos que venían del festival de Jazz. Hablé largo y tendido con Joe Zawinul, que es uno de mis ídolos, un teclista que luego fundó Weather Report; y con otros muchos músicos. Con Alex Acuña, un batería que ya desde pequeño dormía dentro de un bombo. Su padre tocaba con Frank Sinatra y cuando él le acompañaba de gira dormía en el bombo. Es decir, ese hombre ¿cómo puede vivir la música? Ya no se puede vivir de otra manera más grande que esa. Saliendo de gira desde pequeño con su padre, y durmiendo en el bombo. Osea, ¿qué le vas a enseñar a ese hombre? La intuición que tiene es atroz, está viva. Ese es un creador, sin más, ya de salida. Lo otro, las escuelas están bien para enseñarte todas las técnicas, pero. luego tu tienes que sacar tu lenguaje. Que se parece al de este, o se parece al de otro... eso sólo hay dos maneras de verlo: O todo está por hacer, o todo está hecho. Yo soy de los que creen que todo está por hacer.

DB: Una sobre la creación y los derechos: ¿A quién pertenece el arte?

AB: El arte pertenece al que lo usa, pero el uso es... Goethe decía, y yo sigo haciéndolo, aunque lo he cambiado a los tiempos que corren: “Antes de acostarte tienes que mirar una lámina, leer un poema y oir un trozo de música”. Todos los días, hacer eso como ejercicio es formidable. Ahora me veo una peli. Me pillé el canal plus para ver una película todos los días. Me da igual cual, pero es la experiencia diaria de ver una peli. Es la magia más grande, es la ópera actual. El arte pertenece a quien lo usa y hace un uso constructivo de él. Si es capaz de seguir desarrollándolo, bien, pero sólo con el hecho de usarlo, ya está creando. Yo el arte lo veo completamente pegado a un proceso de alquimia, de creación. Es crear. ¿Qué es el arte? Algo que ha hecho el hombre, ...o una planta. No hacemos más que imitar, pero es un proceso de reflexión. Es usar lo que somos y lo que nos diferencia del resto de mamíferos, que es la capacidad de reflexionar. Eso ya es crear. Para mi el pensamiento ya es un arte. Es una necesidad.

No sé si es porque estaban enfermos pero los primeros que pintaban los caballos con ocho patas porque los veían correr... no eran tontos... es que un caballo cuando corre tiene ocho patas. Eso es arte ya, y va directo al alma. Llámalo como quieras, pero va directo a una parte de nosotros que yo creo que incluso es un sentido.

DB: Con esta pregunta apuntaba también a esa concepción que existe hoy del arte como objeto de propiedad, por estar todo tan absolutamente comercializado.

AB: Sí, esta sociedad es muy mercantilista. Siempre pongo el mismo ejemplo: Toqué en una iglesia en Castelldefels y compuse cosas expresamente para esa iglesia por la reverb que tenía, osea, un curro impresionante. Hice el trabajo y vendía discos de otra cosa que había hecho, de Los Paseadores, un grupo anterior, porque eso no lo tenía grabado; y hubo un señor que me vino y me dijo:

 “Yo hoy me voy a quedar sin cenar pero quiero comprarte el disco”.
 “Que no, que te lo regalo”.
 “No, no. Quiero que me cueste un esfuerzo. Porque lo merece”.

Entonces, claro, siempre lo digo: yo hago música para este hombre. Para alguien que tenga la necesidad, pero vital de oir eso. El primero soy yo, porque me relaja lo que hago. Cuando no me relaje me dedicaré al campo, o a cocinar, que me gusta mucho también.

DB: Como la anécdota que cuentan de “el Paquiro”, que un subalterno le comentó que arriesgaba demasiado en una plaza en la que el público no entendía nada de lidia, y él respondió, que bueno, que alguno habría ¿no?, pues “para ese toreo yo”.

AB: Es que además, es a cada uno por separado. Que también es quizás algo que impone, porque cuando tocas ante dieciochomil personas estás tocando a las dieciochomil, una por una. Así debería de ser. Lo que pasa es que en el circo del Rock, por ejemplo, por hablar de algo, pues tienes un bolo hoy y luego... Es lo que decía sabina, que en realidad te pagan por viajar, porque mientras estás tocando es fantástico... Pero si hoy tocas aquí, mañana tienes que ir a Huelva y al día siguiente has de estar en León, como me ha tocado hacer varias veces, pues en realidad cuando llegas al sitio estás ya que no sabes ni dónde estás, y ya se convierte en un oficio... que casi es una fábrica de chorizos. Pero los escenarios pequeños, cercanos, y esa cosa tan pasional como sacar algo... lo que le llega a la gente es esa pasión, que aunque no le guste dice “Ostras... ¡qué bonito ha estado!”. Porque ellos también han sentido eso. Pero claro, si eres incapaz de proyectar, ...pues allí ya tienes un problema como músico.

DB: Una de las cosas más fantásticas que tiene el arte es la inmediatez. Es aquello que sucede aquí, ahora, y no se repite más.

AB: Un acto efímero total y absoluto. Eso es lo que a mi me gusta.

DB: Tenía otra pregunta, que era si discos o conciertos, pero me lo estás dejando muy claro.

AB: Sí, está clarísimo ¿no? Lo que pasa es que el disco también tiene su función. Porque tu tienes tu momento también. Es decir, es como ira a un concierto, pero no pasas frío. Estás cómodamente en tu casa, escuchando la música que te gusta, eso es estupendo..., quizás con la edad más, tu tienes tu momento, te estás afeitando, te pones un disco y eso es... No tienes por qué ir a un concierto. Los conciertos tienen otra magia, pero yo estoy por los dos ¿eh?

Cartel del Concierto:

http://www.jamsessionescuelademusica.com/Clinics/arturoblasco/clinic.pdf

Fotos del Concierto:

http://picasaweb.google.es/jamsessionescolademusics/MasterClinicDeMusicaExperimentalATravesDeLaImagenACargoDeArturoBlasco201109#

Currículum de Arturo:

Arturo Blasco es un reconocido guitarrista y productor formado musicalmente en Vitoria, en los principales conservatorios y escuelas de música moderna, y ha realizado masters y cursos con Pat Metheny o Joe Pass entre otros muchos. Ha estudiado también varios cursos de pedagogía musical en Bilbao y es autor además del reconocido libro didáctico "Escalas para Guitarra" editado por Music-Distribucion-Warner ref.ML.2012. Barcelona 1999. Arturo es también una figura habitual como colaborador en los festivales de Jazz de Vitoria y productor de infinidad de discos y producciones audiovisuales, además de compositor de bandas sonoras para largometrajes de ámbito internacional. A nivel artístico su nombre puede encontrarse como guitarrista y productor entre más de 20 discos de grupos que todos conocemos. En la actualidad lidera su propio proyecto de jazz "Los Paseadores" al mismo tiempo que colabora en el cuadro pedagógico de la escuela de música Jam Session.

Nota: El Clinic constó de una conferencia de Arturo Blasco a modo de introducción sobre la música y la imagen. Ejemplos de películas de Arturo Blasco como compositor. Participación de invitados entre los que destaca Borja Ramos, poesía de Jordi Aligué musicada en directo por Arturo, y como colofón final concierto improvisado experimental ruidista a cargo de "La Senda Improvisada" con Arturo Blasco, Iker Ormazabal y como invitado Borja Ramos.

Necesitaríamos un breve review sobre el concierto el clinic.

Algunas opiniones recibidas:

E. Corrons:

Sensaciones del Clínic de Arturo Blasco.
Me pareció muy interesante por la apuesta de mezclar diferentes artes (música, cine, poesía, etc) y también por el mensaje de la música en directo aunque se cometan "errores" (sino, que toquen las máquinas) y de tocar lo que uno esté sintiendo en ese momento
Todas las colaboraciones fueron estupendas, quizá destacaría la del cineasta Borja porque explicó cómo se compone y se aplica la música en el cine y la danza.
La compenetración de la guitarra de Arturo con el poeta Aligué, muy buena
La última parte (la música improvisada en directo y grabada) muy curiosa de ver y oir.
Sólo me queda "aprender mucho para poder olvidarme de todo", como dijo Arturo

Frank R.G.:

Hola compañeros soy Frank, os escribo para daros mi humilde opinion sobre el Sr Arturo Blasco:

Despues de haber visto y escuchado una pequeña pero intensa muestra del saber hacer de este gran MUSICO
pienso que el tio tiene muchisimo talento y que sabe muy bien lo que se hace.Fue muy interesante sobre todo cuando estaba
armonizando la canción de Triana porque me acuerdo que comentó:"la estoy sacando ahora" y claro, flipé en colores de lo que
sabe este tio,tambien me gustó mucho la poesia musicada, crearon un ambiente muy íntimo y emocionante.
En definitiva, para mí fueron dos horas de magia.

Frank.

R.M.C.:

22 Noviembre 2009 de Rosa Maria

Aquest passat divendres, el guitarrista Arturo Blasco, professor de l’escola Jam Session de Barcelona, ens ha regalat un passeig per la seva experiència artística.

És compositor de bandes sonores de pel.lícules. Les notes que fa néixer de la seva guitarra, acompanyen espectacles de dansa i també imatges de vídeo i TV.

En aquesta trobada hi ha hagut complicitat amb les veus de Luís Blanco i Jordi Aliguè, que s’han entregat de ple, ambdós, a l’hora de cantar i recitar, respectivament.

Defensa la música en directe (no en playback) i la comunicació d’ànima a ànima amb qui l’escolta.

La sessió ha finalitzat amb una improvisació a càrrec d’ell, de Borja Ramos i Iker Ormazabal.

Em sembla un home d’aspecte tranquil, senzill i amical.

Osvaldo:

Buenas!..,Antes que nada, comentarles que quedé impresionado ante la trayectoria de este músico. No sabía que la escuela contara con semejante profe de tan vasto andar artístico.
Respecto al clinic, llegué justo cuando Luis estaba al piano deleitándoles con esa gran canción, mientras Arturo improvisaba con ese estilo tan particularmente bueno que posee. Lo que más me gustó, los segmentos de bandas sonoras, muy buenos!...La sección de poesía y música ,también buenos; sus devaneos guitarrísticos sobre palabras recitadas con tal sentimiento son de destacar.
El epílogo del clinic ,sinceramente no fué de mi agrado.
Me quedo con la primera hora y media de arte. Ya que no se puede negar que Arturo es un artista ,y que está a la vanguardia,...y que puede gustar o no.
Gracias Arturo ,muy buen clinic.
Osvaldo C.

Enlaces de algunos de los autores y participantes en la exibición:

Arturo Blasco:

http://www.myspace.com/arturoblascoelpaseador

Iker Ormazabal:

http://www.soizu.blogspot.com//

Borja Ramos:

http://www.myspace.com/borjaramos

Nota Final: Como curiosidad, deciros que existe un CD de la "Senda Improvisada" a modo de muestra similar al concierto que ofrecieron. Podéis descargaros una muestra en el siguiente enlace:

http://www.archive.org/details/IkerOrmazabalArturoBlascoLaSendaImprovisada

También existe un comentario a éste disco y diversas entradas sobre las performances derivadas de él o sus participantes en el siguiente blog:

http://zulobeltzak.blogspot.com/2009/12/zzbb-03-iker-ormazabal-y-arturo-blasco.html

CLINIC DE GUITARRA CON STEVE MORSE ( Deep Purple, Kansas, Dixie Dregs, etc...)

2009-09-19T09:18:00.001-07:00

CLINIC STEVE MOORSE 14 de Septiembre 2009

Demostración amplificadores y cabezales ENGL modelo signature.

Nota de redacción:

El evento fue organizado por Rock and Classics ( tienda de instrumentos ), en su sede de C/Sepúlveda nº 138 de Barcelona, y por amplificadores y cabezales ENGL.

El público asistente fue de unas 50 personas invitadas en exclusiva ( la mayoría alumnos ý profesores de la escuela de música moderna Jam Session de Barcelona, también habían amigos y clientes especiales de la tienda, guitarristas profesionales de la escena local barcelonesa, y algún periodista cercano a la organización ).

Jam Session quiere agradecer profundamente a los amigos de Rock and Classics , ( Fer y Sha ) el detalle de invitarnos a éste clinic del que no se hizo publicidad alguna. A ellos nuestro mayor agradecimiento.

CRONICA I

Comienza hablando el representante de ENGL que a su vez hace de interprete y traductor:

" Hola a todos, esta será una charla “informal” donde hablaremos un poco sobre la música de Steve Moorse y su sonido y equipamiento, así que no dudéis en preguntar lo que os parezca, si no hubieran preguntas Steve os hará una demostración del equipo tocando temas suyos sobre unas bases pregrabadas . Gracias a todos por venir."

El evento se habré con la interpretación de un tema.

Steve... ¿nos podrías comentar algo sobre tu peculiar forma de coger la púa; fue algo aprendido espontáneamente o se debe a algún motivo?

Esta forma que tengo de coger la púa se debe a que un día me di cuenta de que tengo mayor control para poder amortiguar o parar las cuerdas de E, B y G en la guitarra, y así ahorrarme sonidos indeseados; pierdo un poco de velocidad pero pienso que gano en calidad de sonido; también controlo mejor los potenciómetros de volumen para dar más o menos intensidad al toque.

( La gente murmulla de forma irónica: menos mal que pierde velocidad )

¿Nos podrías comentar como mueves la púa en las escalas y frases melódicas?

Bueno…, uso la dirección de la púa en función de la intensidad de los acentos,cuando practico una escala intento siempre digitarla de 6 formas diferentes al menos,….cada modo de la escala de 6 formas diferentes,….puede parecer laborioso pero no es así,….muy despacio se ve enseguida los diferentes matices que puedes alcanzar (nos ejecuta un ejemplo sonoro de cómo seria el ejercicio y efectivamente la diferencia sonora entre uno y otro ejemplo es notable) con esta técnica, y siempre haciendo coincidir el golpe fuerte con el movimiento hacia abajo de la púa.

¿Cual crees que seria el estilo musical ideal para alguien que comienza a tocar la guitarra?

Esta es una pregunta muy interesante……opino que debería ser el estilo musical que mas te guste, ya que así lo interpretaras con mas emoción , ..pienso que la emoción con que se toca una pieza musical es lo mas importante porque sin emoción nos convertimos en autómatas ….algo parecido a una secuencia de midi…..no tiene sentido tocar así,….así que recomiendo tocar lo que sientas…..si te gusta el blues entonces fíjate en BB King….(toca un ejemplo de fraseo a lo BB King)…..¿veis? …es sencillo pero muy..muy bonito….si te gusta el rock….Eric Clapton (nos interpreta un ejemplo)…..si te gusta el Jazz….quizás Joe Pass…antes que ningún otro por lo ordenadamente que expone sus ideas en un tema…….ah!!! y sobre todo mucho Bach…….(risas)

¿ Considerarías la “velocidad” como lo mas importante en la música Rock?

Mirad,…..Steve Luckater es probablemente el guitarrista de rock que mas discos ha grabado, tanto con su grupo (Toto), como con colaboraciones con diferentes artistas,….(Michael Bolton, ..Tina Turner…etc)….pero si lo llaman tanto es por su sonido, por su sentido del ritmo y su fraseo…no por su velocidad …….Un productor te va pedir que sepas tocar un tema,…un cantante te va a pedir que sepas tocar un tema,…un batería que sepas llevar un tema….Los únicos que se van a fijar en la velocidad eres tu y tus amigos guitarristas….(risas)….., puedes tocar durante cuatro tiempos un acorde y aburrirte como una ostra (nos hace un ejemplo escenificado poniendo cara de mirar el reloj) o puedes aprovechar esos cuatro tiempos para adornar el acorde tanto con notas como con ritmo (y nos toca un ejemplo haciéndonos casi bailar a los asistentes)….Tu mismo lo que tu hagas, será como suene.( Se pone a tocar más temas ).

¿ Tu guitarra no es la mas usual para un guitarrista de rock ,…ya que no tiene palanca de tremolo y demás…..¿por que te gusta este modelo?

Bueno básicamente es una fender de toda la vida, …solo que de music man, que como todo sabéis fue otra marca proyecto de Leo Fender….No suelo usar puente flotante a no ser que lo demande la canción, …ya que así puedo confiar mas en la afinación de las cuerdas....,pero por lo demás es una guitarra normalita con alguna modificación en las pastillas como el cambio de fase,…..paralelamente he trabajado en otro modelo (nos lo muestra en una segunda guitarra) con un sonido un poco mas agresivo y compacto, ..(nos interpreta algunos riffs y fraseos)…mas orientado a trabajar rítmicamente y con un "look" mas actual.

¿Que nos podrías comentar sobre tu aprendizaje?

Bueno no soy el ejemplo mas indicado….De hecho me he casado tres veces ..(risas). Pero sobre lo que me comentas pienso que en el estudio de los temas lo mas importante es visualizarte tocando dicho tema, …verte a ti mismo en esa situación…. Por que así pienso que lo controlarás mucho antes…y poder ser capaz de empezar desde cualquier punto del tema , y quedarte con las cosas que te llamen la atencion y que ayudaran a reforzar tanto tu memoria como tu técnica…esto puede ser un ritmo ….un acorde…una melodía que aparezca en el tema…etc

¿ Como valoras la salida de Kansas y aquella época.?

Bueno fue duro,…por que mentalmente me encontraba en un punto en el que quería dejarlo todo….y cuando digo todo me refiero a la música….todo…ponerme a trabajar y tocar música en mis ratos libres…como hace la mayoría de la gente…pero no quería que esto de la música continuara siendo un negocio para mi…volví a mi trabajo en la empresa de aeronaútica, pero solo estuve 6 meses, al cabo de un tiempo ya me volvía a picar el gusanillo y gracias a mi productor y a mi manager pude volver..., me organizaron la vuelta..., al poco me propusieron volver y con Deep Purple..., y la verdad que tocar con ellos es sencillo…por que es…..TAN, CON…TAN CON…la base es muy sólida……suena todo, yo solo tenia que acoplarme….tocar con DP es muy sencillo…

¿ Cual es el disco de DP del que te sientes mas orgulloso?

No se…quizás el primero por que estuvimos todos juntos en la grabación del estudio y lo vivimos con intensidad aportando todos algo, y este ultimo por que hemos vuelto a rescatar ese espíritu y esa sensación.

( En éste momento, el representante de ENGL hace una pregunta sobre el amplificador para que el clinic organizado por marca y tienda tenga sentido )

¿ Nos podrías comentar algo del cabezal de Engl que lleva tu nombre y sobre ese dispositivo que llevas para darte definición en el escenario con toda una banda tocando?

Bueno básicamente es un cabezal estándar con 3 canales de sonido, clean, cruch y drive pero cuenta con un doble control de medios para precisamente reforzar estas frecuencias, ya que hace tiempo que me di cuenta que cuando se tocaba en grupo la guitarra perdía definición dentro del contexto de la banda y casi siempre optaba por subirme el volumen con el considerable estruendo que esto ocasionaba,,…además de que el técnico siempre me bajaba desde la mesa…y era una guerra (risas) hasta que caí en la cuenta de que subiendo la frecuencia de medios ganaba definición de nota sin tener que matar a nadie…(risas)…..(nos hace una demostración en la que vemos el efecto)

¿ Hay en mente algún nuevo trabajo de Steve Moorse?

El año próximo estará en la calle y seria bueno que le echarais unas cuantas escuchas

(Momento en el que el organizador del evento nos comenta que no hay tiempo de mas ya que Steve debe de ir al lugar donde tocaran Deep Purple esa misma noche ).

Steve Moorse: bueno pero queda un poco de tiempo, si alguien quiere llevarse una púa o alguna otra cosa firmada estaré encantado de complacerles.

Goodbye !!! see you at live concert !!!

Bye !!!

P.D.: Crónica por Cristóbal García ( Profesor de guitarra de la escuela de música moderna Jam Session de Barcelona. Fotos por gentileza de Angels V., Osvaldo C., y Luis B.

Cristóbal García

Equipo pedagógico de Jam Session
Jam Session

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CLINIC STEVE MORSE – Rock & Classics – Barcelona – 14/09/2009

( Cronica II )

El pasado 14 de septiembre se organizo en Rock & Classics un clínic del famoso guitarrista Steve Morse; aprovechando su visita a Barcelona con motivo del concierto que ofreció esa misma noche con la banda legendaria Deep Purple, de la cual es miembro desde hace varios años. También presento el nuevo cabezal ENGL modelo Steve Morse.

Todos los que estuvimos (entre ellos muchos de nuestros alumnos de Jam Session) pudimos ver a Steve en acción tocando varios temas con el apoyo de una bases que él mismo disparaba (a veces con muy poco tiempo para reaccionar para agarrarse al mástil y comenzar a tocar). Entre tema y tema, Steve iba contestando a todas las preguntas que los asistentes realizaron.

Sobre la manera de practicar escalas y utilizando el ejemplo de una escala de 2 octavas a partir de la fundamental en 6ª cuerda, explico las 6 maneras que utiliza él para trabajarlas:

Iniciando la escala con el dedo 1 y púa abajo.
Iniciando la escala con el dedo 1 y púa arriba.
Iniciando la escala con el dedo 2 o 3 (según escala) y púa abajo.
Iniciando la escala con el dedo 2 o 3 y púa arriba.
Iniciando la escala con el dedo 4 y púa abajo.
Iniciando la escala con el dedo 4 y púa arriba.

Si multiplicamos estas posibilidades con el número de escalas que existen tenemos ejercicios para toda la vida.

También comento la postura que utiliza en su mano derecha, muteando las cuerdas agudas con el dedo meñique y las cuerdas graves con la palma de la mano de forma simultanea. Esto lo realiza aprovechando el angulo que queda entre ambas partes para dejar sonar la cuerda que esta tocando y mutear cualquier suciedad del resto de cuerdas, aunque según él dicha postura le restaba velocidad en la pulsación. Además como pudimos observar, aprovecha la postura del meñique para el control de los potenciómetros de volumen y tono.

Sobre cuestiones de velocidad en el fraseo, Steve respondió que es mucho más importante la cuestión rítmica de la guitarra. Explico que cuando tocamos en una banda, lo que realmente valora un batería, un bajista, en fin, cualquier miembro de la misma, es la capacidad de empastar tu sonido y rítmica con ellos. Además, en situaciones de estudio, el 99% de las veces lo único que hace es grabar guitarra rítmica. Sobre este punto, destacó la diferencia entre tocar simples acordes a redondas o bien, crear partes rítmicas interesantes haciendo el proceso mucho más divertido y creativo; tal como hace su amigo el gran guitarrista Steve Lukather (conocido sobretodo por su etapa en Toto). En palabras de Steve Morse, los “trullos” de guitarra solo te sirven para fardar con tus amigos guitarristas (eso no quita que él no tenga los suyos y haga un buen uso de ellos, como se pudo observar en sus interpretaciones).

Finalmente sobre el estilo y los guitarristas básicos para estudiar cuando uno esta empezando, índico que lo mejor es tocar el estilo que más nos guste. Así pues, en el caso que sea Blues indicó a BB King, en Rock a Eric Clapton, en Country cito a James Burton y Albert Lee, en Jazz a Joe Pass por la claridad de su fraseo y en cualquier caso, siempre a J.S. Bach.

A la vez que los citaba, Steve hizo una demostración de cada uno de estos estilos con varios ejemplos, evidenciando una amplia visión musical que le coloca en la categoría de gran guitarrista y músico.

Cronica por Cesar Tomas ( Profesor de guitarra de Jam Session )
Equipo de Jam Session

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Comentarios recibidos en Jam Session:

Angels V.:

Fue un auténtico privilegio asistir. Me gustó mucho su modo de estar con todos nosotros: sencillo, amable, muy comunicativo…
La sensación al terminar era de optimismo y muchas ganas de mejorar o crecer musicalmente. Transmitía la certeza de que se podía tocar bien con tranquilidad y constancia. Sé que es muy difícil tocar como Steve Morse, pero a través de él y su forma de hacer, uno podía ver como un camino y unos pasos claros a seguir. Y a partir de aquí que cada cual haga lo que esté más en sintonía con su personalidad y gustos. Por último comentar que a mi personalmente me va muy bien “plagiar” su manera de colocar la mano derecha y sujetar la púa (el profesor de guitarra puso un vídeo y de ahí aprendí la técnica). También por este motivo me hizo mucha ilusión poder verlo en persona. Os envío 4 fotos

Un saludo

Àngels V.

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Osvaldo C.:

Steve Morse derrochó categoría, estilo y virtuosismo en esa hora y media de master class. Ver de cerca y poder apreciar su enorme talento ,fué una experiencia inolvidable. Aunque ya ,el hecho de ser elegido por una de las mejores bandas de la historia del rock para sustituir a R. Blackmore (uno de los mejores también),ya decía mucho de el. Las diferentes pistas-bases donde despachó sus mas variadas escalas demostraron porque un guitarrista como John Petrucci lo tiene como clara influencia.

Steve Morse ,tan grande como humilde ,sin reticencia alguna a la hora de contestar preguntas ,autografiar discos y sacarse fotos. Muchas gracias a los que hicieron posible esto...

Osvaldo

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Climent P.:

Hola,

No dispongo de fotos, y , la verdad , no tengo todavía demasiado nivel técnico para poder decir alguna cosa. Pero como soy de los que creen que la música primero hay que sentirla, pues os daré mi humilde opinión.

La verdad es que así en “espacio reducido” la técnica que tiene con la púa no afecta en absoluto al “feeling” con el que toca. También me gustó como maneja el resto de recursos de que dispone : cambios de pastillas, volúmenes, etc…Por cierto , las guitarras , sencillas , pero un “puntazo”.

El cualquier caso , creo que se hicieron demasiadas preguntas (algunas demasiado obvias) y se le dejo poco tiempo para que tocase más.

En resumen , me gustó la experiencia. Espero que hayan más…

Un saludo.
M. Climent

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Gracias a Steve Morse, a amplificadores ENGL , a Rock and Classics, y porsupuesto a todos los alumnos y profesores de Jam Session por asistir al evento, por sus fotos, por el reportaje, por los comentarios, y por su dedicación y entusiasmo en todas las actividades que se organizan. ¡¡¡ Gracias a todos !!!

Equipo de Jam Session

ENTREVISTA & CLINIC-CONCERT DE GUITARRA CON JOSE DE CASTRO ( JOPI ), POR CORTESIA DE MASTER GUITAR / 11-06-09.

2009-07-08T15:37:00.000-07:00

ENTREVISTA & CLINIC-CONCERT DE GUITARRA CON JOSE DE CASTRO ( JOPI ), POR CORTESIA DE MASTER GUITAR / 11-06-09.

Introducción.

El pasado 11 de Junio del 2009, se celebró en la escuela de música moderna Jam Session de Barcelona, un Clinic de guitarra organizado por gentileza de Master Guitar Company con el objetivo de presentar a la audiencia una curiosa combinación electrónica fruto de unir el sonido de los amplificadores COMFORT AMPS con los MATCHLESS, sumándoles pedales FULLTONE CUSTOM EFFECT.

La demostración corrió a cargo del gran guitarrista Jose de Castro / Jopi, uno de los mejores y más destacados maestros de las seis cuerdas que tenemos en nuestro país, y que para la excepcional ocasión, se presentó en formato trio acompañado por Jose Vera ( Bajo ) y Maurice London ( Batería ) presentando su último disco LIVE , producido por el propio Jose de Castro.

Con éste gran músico, que ha compartido escenario y ha tocado con guitarristas como Paul Gilbert o Joe Satriani, y ha grabado discos con músicos de la talla de Simon Philips ( batería de Toto, Jeff Beck, etc ) entre otros, poco ántes de comenzar el show, y tras la prueba de sonido, conseguimos encerrarnos durante algunos minutos en algún aula de la escuela para que puediera contarnos algo de su ya probada experiencia como músico en nuestro país, y ésto es lo que nos contó.

Entrevista con José de Castro.

JSS: Aprovechando que tenemos una persona con tanta experiencia como tú, que se ha dedicado a la enseñanza durante bastantes años, y que también vive el lado profesional y lúdico de la música..., ¿crees realmente que estamos en un momento musical de vanguardia en el que se están creando cosas nuevas teniendo en cuenta que ahora hay muchas mas escuelas, y que antes no habían..., que ahora que tenemos grandes estudios de grabación y posibilidades para producirnos, que antes no habían.....que ahora tenemos locales de ensayo..., que antes eran imposibles..., ¿crees que estamos en un buen momento musical ?

José: Creo que evidentemente los medios que están a nuestro alcance son infinitamente mejores. Yo en mi generación me considero un privilegiado por poder estudiar en academias con un programa bien estructurado, pero...el exceso de cosas que hay ahora es exagerado....pienso que a la vez es contraproducente,....por que toda esa información que tenemos en internet..., antes para escuchar música nos juntábamos los amigos y comentábamos cuales eran los discos que nos gustaban..¿te acuerdas?... y nos los pasábamos y los escuchábamos con atención, y yo me decía..."bueno...con lo que hay aquí...no escucho nada más hasta dentro de dos semanas" y estudiábamos a fondo....ahora no....ahora la gente se baja la discografía entera de aquel o cual grupo, y en una semana intenta asimilar todo eso. Además tenemos en YouTube a guitarristas increíbles tocando tal o cual pieza,... pero en cambio no hay un proceso mas o menos largo de asimilación de toda esta información en los músicos.

JSS: Si...la cultura "fast-food" se ha trasladado a la música...

José: Totalmente...la ventaja es que todo aquel que tenga algo que ofrecer...bueno o malo, mejor o peor, puede hacerlo por que en casa puedes tener un estudio..., con una tarjeta de sonido y un pc ...y por poco dinero...pero caemos en la falta de elaboración de la música....aquello de quedar por ejemplo con el batería y dar vueltas y vueltas a un base rítmica para elaborar un tema hasta que suene compacta....de hecho la gente que antes era grande sigue estando ahí, en cambio es muy difícil ver nuevos valores que impresionen o que aporten algo nuevo...yo creo que es eso ...por un lado tenemos mucha mas información....pero por otro pienso que perjudica un poco.

JSS: Si...es curioso esto...pero además no vemos tampoco muchos músicos comprometidos con la música, se ve mas bien , a nivel profesionbal me refiero, a gente que toca exclusivamente por dinero sin ideas creativas, tu en cambio has sido uno de los pocos que ha tenido el valor de grabarse sus discos y auto producirselos e intentar tirar para adelante un proyecto musical original, propio y creativo, compaginándolo con el profesional.

José: No...(risas) no es valor...es poca vergüenza....y poco sentido del ridículo...carezco de él....(risas).

JSS: Bueno.,..pero por lo menos tienes esa iniciativa...tienes tus propios trabajos editados...y yo veo que la gente últimamente se deja arrastrar por la profesión de músico de acompañamiento, en los que su creatividad se aparta a un lado.

José: Es que España es el país de "los proyectos"...yo lo veo así...yo conozco un monto de músicos ya sean cantantes...bajistas..baterías...etc.., que están apunto de sacar su disco...conozco amigos que llevan asi 10 o 15 años intentando sacar un disco que realmente no han empezado...tienen ideas...tienen proyectos y tal .....pero no tienen el coraje de defender lo que hacen....y por otro lado es muy sencillo escudarse en el "acompañar a otro" ...en "salir de gira con otro"....por que tu estas ahí acompañando, y la gente puede decir : "Que canción mas fea"...pero como no es tuya puedes decir ..."¿a mi que?...es su música !!!" mientras mi guitarra este bien...lo demás es que es su música....pero cuando tu sacas tu proyecto..., ahí das la cara y te pones delante de la gente...,ahí estas expresando lo que llevas dentro,...la música que tú sientes cuando tocas ...y siempre te preguntas...:"¿gustare?...¿ o no?...", y mucha gente prefiere evitarse ese trago.

JSS:Tienen la idea ..pero....¿?

José: En le fondo tienen la idea ...y admiran a quien lo hace pero no se atreven....y algunos tienen incluso los temas...pero falta ensayarlos o grabarlos...y se quedan por el camino...este es el país de los proyectos....yo lo veo así. Yo siempre lo prefería antes que tocar versiones ....primero intentar hacer temas míos..mejores o peores, pero míos.

JSS: Cual es la razón por la que crees que todo el mundo hace versiones ahora?

Jose: Hay dos,...una porque es una buena salida para conseguir trabajo...pueden hacer una o dos salas semanales y ganarse más o menos la vida...

JSS: Esto en Barcelona es impensable....

Jose: Y otros por que quieren hacer algo suyo pero no se atreven a sacarlo....y creo que ese es el problema. Además, hay muchos músicos...sobre todo en el entorno de la guitarra que somos muy criticones....y cuanto mas criticas menos haces...porque piensas que si haces algo y lo presentas ante los demás, te van a criticar por como lo haces....yo conozco a gente que da igual que quien este tocando, sea Eric Johnson...o el que sea..., da igual ...siempre están esperando que meta una "gamba" para decírtelo al oído..., y luego son éstos los que lo pasan fatal cuando se tienen que subir a un escenario y defender un repertorio mas o menos difícil.

JSS: Si...es curioso ésto..., nunca lo había pensado desde este prisma...yo pensaba que era el miedo...

Jose: Si, es que no deja de ser una manera de miedo...hay una frase que dice: " Los discos nunca se terminan..tan solo se dejan...", yo cuando llevo un tiempo componiendo y elaboro un repertorio que creo que esta bien para un disco, entro en estudio y lo grabo..y se acabo...nunca mas lo escucho....pero ya lo tengo.... ya esta ahí ..y ya tengo algo que defender en directo....quizás a los cuatro meses lo oigo y pienso..."joder..., como pude grabar esto..."..., y a lo mejor en otro momento lo recupero y digo..." bueno... no estaba tan mal...", y me gusta oírlo....mola...por que significa que tu has evolucionado de alguna manera...si no vas sacando discos no evolucionas....a medida que cumples años tu proyecto se vuelve mucho mas ambicioso,...por que tu nivel se hace mayor aunque no sea tocando, si lo es conceptualmente. Te vuelves mucho mas exigente contigo mismo.....entonces llega un momento que si no has grabado algo anteriormente de tu proyecto ya no lo sacas nunca......si escuchas músicos en su primer disco por ejemplo a Richie Kotzen, no tienen nada que ver con su ultimo disco, la evolución es tremenda y son personas que no han parado de sacar y producir discos en estos años...si tu no grabas nunca, es una evolución que se pierde.

JSS: ¿Crees que es compatible una carrera artística con la labor de la enseñanza?

Jose: Totalmente...de hecho mis dos primeros discos se grabaron dedicándome exclusivamente a la enseñanza, y tenia muchísimos alumnos por suerte y grabábamos por la noche, salía a las 22h de la escuela de dar clase...cenábamos algo con el técnico del estudio y me metía a grabar hasta las seis de la mañana y al día siguiente a las 12 ya estaba otra vez dando clase....y así lo hice, tanto con el primero como con el segundo,...por que era un objetivo,...era mi objetivo....o sea, ...yo no toco la guitarra solo para acompañar a Mónica Naranjo, que me encanta su trabajo como el de otra tanta gente,...pero no toco la guitarra solo por eso,....yo toco la guitarra por que adoro la música.

JSS: Eres de los pocos que manifiesta esto, por que últimamente y lo percibo sobre todo aquí en Barcelona, es corriente ver a la gente arrasatrarse intentando acaparar favoritismos e influencias para poder conseguir giras, actuaciones y trabajos de músico de acompañamiento ...etc...., que ya sabemos que el trabajo es el trabajo, pero en la música existe también un aspecto que es el creativo ¿no?, no se puede hacer música como el que va a trabajar a una cadena de montaje. Por eso tú luego tienes esa otra vertiente creativa, que es honesta contigo mismo, y que por consonancia será honesta con los demás para los que trabajas, porque trabajas con lo que sientes, y pienso que es eso lo que verdaderamente tiene algo que ver con la música, y no estar todo el dia traficando influencias para conseguir una triste gira O.T. que en el fondo te importa un rábano su música.

Jose: De hecho, lo que cuenta para trabajar como músico se divide en un 20% la calidad de como tocas, y el 80% restante tiene que ver en como te relacionas y como te ven los demás..., es triste pero es así. Lo que pasa es que también hay maneras de relacionarse, y hay gente que lo hace muy mal, a la larga el que va un poco de pesado se le ve el plumero enseguida, pero en cambio el que va de buenas simplemente trabajando,..tiene mucho mas a conseguir. En mi experiencia personal,... yo estaba trabajando de profesor en la escuela y el chico de recepción me avisó de que hacia falta un guitarrista para Malú, y les hablaron de mi, ya que yo ya empezaba a tocar mis temas y estaba grabando mi primer disco. Fui a la prueba y me dieron unos cifrados de los temas, toque un par de temas y les gusto. Me citaron al dia siguiente..., pero en vez de irme a por ahí, salí corriendo a buscar una tienda de discos y me compre los dos primeros trabajos de Malú, y me los estudie esa misma noche sin dormir, y al día siguiente llegué a la prueba y me sabia un montón de temas.... y me gané el trabajo así..., y una vez que estas ahí empiezas a conocer músicos... y ya te van llamando, un día un productor, otro día un estudio ....etc., o sea con esto te comento que muchas veces no hace falta salir de copas...o sea yo no bebo ni una gota de alcohol..., y además la noche no va conmigo, ...no me gusta salir de fiesta ni nada por el estilo,.no es mi rollo y también hay trabajo para los que somos así.,...a mi me gusta tocar,...estudiar...todo ese tipo de cosas.

JSS : Si, aquí estuvo Ángel Crespo el batería, y nos comento que a él tampoco le iba nada el estilo de vida trepa de músico que sale en busca de contactos.

Jose: Si, de hecho yo conozco muy bien a Ángel, somos amigos y bueno..., él todavía se cuida mucho mas que yo, es vegetariano y lleva un orden estricto en su vida, yo no me preocupo tanto, aunque mas o menos me cuido, en lo que si estamos de acuerdo es que a los dos nos gusta tocar y estudiar y para nada nos va el estilo de vida "crápula" y desde luego no creemos en él, habrá a quien le funcione pero no va con nosotros.

JSS: Ante este panorama tan caótico, movido por tantos intereses que no tienen que ver con lo musical, ¿que sientes cuando acompañas a otro músico?

Jose: Yo ante todo disfruto por el amor que le tengo a la música, independientemente de lo que haga, jamás pienso en lo que cobro o dejo de cobrar, tan solo disfruto e intento entregar lo mejor de mi. También tengo muy claro que porsupuesto quiero sacar un proyecto mio, pero soy consciente de que tengo que llevan acabo otros, quizás si yo pudiera vivir solo de mi música no me haría falta. El problema creo yo, es cuando solo quieres ser mercenario, y solo te preocupa eso. Te pierdes una parte muy importante de lo que significa ser músico, ser un buen músico. De hecho yo conozco mucha gente así, y créeme que no mola por que además critican a los que tenemos un proyecto, y no entienden que muchos de esos a los que admiran empezaron teniendo y siguen manteniendo un proyecto propio, y cuando pueden vuelven a él, y mientras siguen acompañando a otros, el caso de Michael Landau.,..Simmon Phillips....etc

JSS: Hablemos un poco de la enseñanza. Dado tu bagaje como profesor, ¿que tres aspectos resaltarías en la enseñanza? ¿el interés, la constancia, la paciencia?

Jose: Yo creo que a estos tres conceptos le faltaría la motivación, que considero que es muy importante, yo siempre intento que pillen la esencia de lo emocionante que es tocar, ya sea una guitarra o cualquier instrumento.

JSS: ¿Y como lo consigues? ¿intentas enseñarle un tema que les guste y así de paso intentar enseñarle con ello la teoría y la técnica que lógicamente conlleva el aprendizaje de dicho tema?

Jose: Ante todo tener mucho respeto por los gustos musicales del alumno, ya que éstos son la llave para poder motivarlo, y enseñarle otros aspectos musicales que posiblemente desconozca, ya que él te ve como una referencia, por lo menos durante ese tiempo que está aprendiendo contigo, es por ello que es muy importante respetar sus gustos musicales ya que cualquier comentario fuera de lugar en este aspecto puede ser visto por el mismo alumno como una falta de respeto hacia a él, por la carga emocional y de identidad que conllevan los gustos musicales de cada uno. Hay que ser terriblemente cautelosos en este aspecto. Luego hay otra clase de alumnado mas ortodoxo y académico que lo que quieren es llevar una metodología académica, pues con estos hay que ir por faena, porque aparte con su actitud te la están demandando, pero con los alumnos que se acercan a la música como "hobbie" o "iniciación", hay que ir con mucho cuidado al principio, luego el tiempo dirá. Ante todo motivar al alumno por que considero que es la base para llegar a todo, con un programa sencillo y gradual que le ayude a aprender casi sin darse cuenta.
Si el alumno tiene un grupo de música que es un referente para él...., pero que tu sabes que de calidad bien poca, lo último que debes hacer es decírselo de buenas a primeras. Hay que aprovechar que le gusta ese grupo para explicarle conceptos musicales que se le puedan aplicar a ese grupo que le gusta, y luego darle otros ejemplos de ese mismo concepto aplicados a otros grupos, pero si a la primera le dices ...:" Esto es una mierda ", ya olvídate, va a ser difícil que aprenda algo contigo.

JSS: ¿Con quien estas trabajando actualmente, aparte de tu proyecto personal ?

Jose: Actualmente con Melendi, aparte de con mi proyecto, que tengo que salir para Francia y Rumania este verano. He estado en los Ángeles y en Italia, y bueno... me voy moviendo.

JSS: en Barcelona que tal?

Jose: No he tocado nunca en Barcelona (risas), es curioso pero ésta es la primera oportunidad que tengo de tocar aquí gracias a vosotros. En Lérida he estado pero siempre son cosas relacionadas con master clases y clinics.

JSS: Debe ser por el motivo de que aquí, para tocar, hay que alquilar las salas, y las que no se alquilan han cerrado. Además, aquí el ambiente musical es es un poco "feudal".

Jose: En Madrid la cosa pinta parecida, pero podemos resistir mejor por que se vive más la música y la movida musical.

JSS: Probablemente al estar mas cerca del sur, cerca de Andalucía, donde la gente vive mas la música con naturalidad y sale, porque aquí con el rollo éste del diseño, la pasta que vale todo, y el intento de ciudad cosmopolita, la personalidad sencilla se ha extraviado fuera. El artista que no pertenece a la nobleza o burguesía, le cuesta mas ganarse al publico, por que éste es mas "frío" y distante, y está saturado.

Jose: Se han asumido unos roles, Madrid es donde se mueve el negocio de la música, donde se gestan las giras y las grabaciones de discos, y Barcelona como que ha asumido mas el rol artístico.

JSS: Cuando has trabajado con otros artistas, sobre todo de fuera de nuestro país, ¿has apreciado que ellos le den importancia a determinados aspectos musicales en los cuales tu no habías reparado o viceversa?

Jose: No en ese sentido. Los conceptos y puntos de vista son bastante paralelos y además son gente súper-normal que para nada se creen la fama o el reconocimiento que tienen, tan solo son gente trabajadora que han desarrollado un estilo y una forma de tocar que ha sabido contactar con el publico, como muestra una anécdota que tuve con Joe Satriani. Resulta que llegó a sus oídos mis discos por medio de su manager, y me invitó como artista invitado en su actuación en Murcia, y me acerque a darle las gracias por haberme invitado y te puedo decir que es un tio de lo mas amable y cordial. Cuando terminé mi prueba de sonido se acercó a mi interesándose por mi equipo y gratamente sorprendido de como había sonado y yo pensaba..."jo me lo esta diciendo Joe Satriani..."..., en todo caso tendría que ser yo quien le preguntara a él....con esto que quiero demostrar son gente llena de sencillez y en cambio tenemos la otra cara de la moneda, comparto escenario con gente de aquí y no te miran ni a la cara, son unos autenticos gilipollas, y somos compatriotas, y eso que a mi me tratan dentro de lo que cabe bastante bien, por que estoy metido en este mundillo y les interesa...claro..., pero veo como tratan a otros músicos que, a lo mejor no lo están tanto, y me parecen unos auténticos cafres. Yo con Michael Landau o Paul Gilbert, he compartido ampli y sin ningún problema, lo que los hace grandes a étos tios es que cuando se suben a un escenario arrasan, pero cuando bajan son personas absolutamente normales, y venían de una época en el que el rollo guitarrero lo llenaba todo, pero ahora estan considerados desfasados, el que se dedica a ésto casi es por que es un "romántico", o tiene muy poca vergüenza como decía antes (risas), a parte de que esta perdiendo dinero por que se a convertido en un estilo minoritario.

JSS: Aquí el boom guitarrero empezó con la expo de Sevilla, en la que se dieron a conocer los máximos exponentes del estilo, y que durante los 90 obtuvo su máxima difusión y desarrollo, pero ¿crees que definitivamente en la actualidad, este estilo esta musicalmente estancado?

Jose: Bueno, las influencias son imprescindibles y necesarias, pero como te comentaba antes con el exceso de información existente, a los nuevos guitarristas no les da tiempo de asimilar, y nos encontramos con gente que toca, pero que una semana quiere sonar como Jeff Beck, la otra como Pat Metheny , por poner un ejemplo..., y sin tiempo para asentar su propio estilo y su toque, y eso contribuye a que todo el mundo termine sonando igual.

JSS: Cuando te planteas o te plantean un solo o fraseo "improvisado" en una jam o en una grabación, ese fraseo ¿ lo planteas desde un plano emocional sin cuestionarte las notas o desde un plano teórico y académico midiendo cada una de las notas que tocas?

Jose: No, tan solo me dejo llevar, yo ya hace muchos años que no pienso cuando toco. En esos momentos no puedes plantearte nada, si entra tal o cual nota, para eso ya has estado durante mucho tiempo, estudiando y practicando, pero pienso que esto has de hacerlo para que después no se te "olvide", por que todo eso que has estudiado y aprendido, ya forma parte de tu manera de tocar, aunque hayas estudiado cosas que con el tiempo te das cuenta que no van contigo, y entonces vas dejando cosas y cogiendo otras y todas ellas conforman tu sonido, y tu forma de tocar. Yo me acuerdo cuando estudiaba los libros de Berkley de William Leavit que me aburría como un ostra, pero te das cuenta que aprendes a escuchar los cambios de acordes, y las melodías mas claramente gracias a todo este trabajo, y cuando estas tocando o interpretando una canción, esos cambios de acordes (mas fáciles o difíciles están ahí), y ayudan a que tu intuición te lleve a sonar natural, cosa que si no hubiera estudiado en su dia esos libros, ahora no sonaría igual, de todas maneras hay una edad para todo ello, si el alumno esta empezando a estudiar debe de pensar antes de interpretar cualquier cosa.

JSS: Gracias por esta entrevista y nos vemos en el concierto, que ya nos reclaman ( avisan en la puerta ).

Jose: gracias a vosotros.

Nota: Entrevista efectuada por Cristóbal García y Luis Blanco. Fotos: Luis Blanco.

La demostración y el Clinic-Concert

Tras la interesante entrevista, Jopi se subió al escenario acompañado por Jose Verá al bajo, y Maurice London a la batería, y comenzarón a destripar en directo el álbum LIVE. Entre tema y tema, Jopi iba comentándonos los aspectos técnicos que Master Guitar había puesto a su disposición. Sobre el equipo utilizado podemos recordar que los amplificadores eran Matchless a válvulas , con configuración de 3 válvulas 12av Siltvana, y 2 válvulas 6L6 de fuerza Siltvan Swestska, (material made en Russia), con previo y ganancia, y sin canal saturado. La saturación la sacaba de los pedales que llevaban el siguiente orden:

Primero- pedal de compresión
Segundo - pedal de volumen.
Tercero - pedal Wha Wha
Cuarto - overdrive
Quinto - distorsión
Sexto - tremolo

Todos ellos true-by-pass, con lo que asegura que el tono de la guitarra no quede afectado. Luego out of loop llevaba:
Séptimo - chorus
Octavo - delay

Todos ellos marca Fulltone excepto el volumen, y todos ellos directamente conectados al amplificador equipado con dos conos de altavoz de 12 pulgadas Celestion Vintage 30, que luego derivaban a una pantalla de 12 pulgadas marca Comfort. Los interesados pueden encontrar más información en: www.master-guitar.com

En cuanto a la técnica realizo varios comentarios con respecto a la importancia del ritmo de la mano derecha que para él, es más importante que la izquierda, (y no le falta razón). Aunque la mayoría de gente solo se fija en la digitación de la mano izquierda, explicó como la melodía o melodías están implícitas dentro de los acordes e hizo una demostración de la técnica de "finger pick" (tocar con pua y dedos a la vez) sobre la escala pentatonica menor de la, y comparando esta con la técnica con la estrictamente de púa , demostrando así que existe una diferencia más que notable de sonido entre una y otra (hay un video en la escuela sobre esto para los alumnos del Jam ).

También comentó que a pesar de poseer diferentes tipos de guitarra, siempre se inclina por las tipo "Strato" ya que así puede jugar con el sonido nasal de las pastillas simples a interactuar en parejas, y que el ataque de este tipo de guitarras es mas pronunciado, ya que el imprime mucha fuerza en el toque, (lo demostró tocando con la guitarra totalmente apagada y se le escuchaba en toda la sala).

En definitiva, una auténtica demostración, que a nivel musical y artístico fue creciendo poco a poco, y acabó en un gran concierto más que un simple clinic, donde pudimos ver muy de cerca a éstos tres grandes músicos en su medio más natural, el escenario.

Textos: Cristóbal García. Profesor de Guitarra de Jam Session
Fotos: Luis Blanco.

Nota: ¡¡¡ Para descargarte todas las fotos, clicka AKÍ !!!

Hasta la próxima !!!
Equipo de Jam Session
www.jamsessionescuelademusica.com

Master-Class Pat Martino en el Jam Session Escuela de Música (14-15 Abril 09)

2009-04-22T03:36:00.000-07:00

LAS BASES GEOMETRICAS PARA LA ARQUITECTURA MUSICAL

Master-Class Pat Martino en el Jam Session Escuela de Música (14-15 Abril 09)

En la foto en la recepción de Jam Session al finalizar la master-class:

De izquierda a derecha: César Tomás, Sergio Belloso, Pat Martino, Luis Blanco y Arturo Blasco.

Contenido del Blog :Reviews, reportajes y fotos por los alumnos y profesores de Jam Session Escuela de Música.

Masterclass de Pat Martino(por Arturo Blasco)

En primer lugar, quiero agradecer a la escuela Jam Session, el lujo de poder estar durante dos horas ante uno de los mejores guitarristas de hard-bop de la historia del jazz americano. Su sola presencia ya lo hace interesante, es la única masterclass dada en todo el territorio español.

Yo conocí a Pat Martino a partir de unas fotocopias que alguien me pasó, en los años 80, aproximadamente, y que me parecieron de una sencillez y un resultado magnífico para la época, recuerdo que no había Internet y que los guitarristas como yo, por la proximidad,andábamos iendo a Francia a comprar revistas cada mes (4 ejemplares) y entre las grabaciones, las revistas y las fotocopias, así como con las conversaciones con músicos que venian al festival de Jazz de Vitoria, ibamos creciendo en técnica y recursos.

El libro era ”Linear expressions”, y resumía de manera muy simple toda la teoria, en aquel entonces, de Pat Martino.

Me interesó desde el primer momento y a los pocos meses conseguí otro libro, de la serie mítica en aquella época “Reh Hotline Series”, eran libros con cassette y en mi caso, Joe Diorio y Pat Martino fueron fundamentales….Eran…"trullos"..., me refiero que no era un método con una linea pedagógica a seguir, sino más bien, frases para aprender el lenguaje, pero para mi fueron excelentes maestros. Por fin sonaban las cosas con un cierto sentido y casi como en los discos que oía.

Nota de Foto: Pat Martino dirigiéndose al auditorio, y nuestro clarinetista Daniel Blanco haciendo de traductor

Pat Martino, al margen de su virtuosismo como guitarrista, es el creador de dos métodos exclusivamente pensados para guitarra, que lleva más de 20 años enseñando allá donde vá, de una manera muy simple y de un resultado más que eficaz.

La minorización y el conocimiento físico del instrumento a partir de los acordes disminuidos y aumentados.

Estos dos métodos son complejos en su descubrimiento y profundización pero simples a la hora de crear un pilar genérico.

En la masterclass, tras una pequeña introducción por mi parte, para que los alumnos conocieran al personaje y su método, apareció Pat Martino y un japonés.

Nota de foto: Arturo Blasco dirigiéndose al auditorio con una breve introducción sobre el temario de la master-class.

El japonés (su ayuda de cámara) le preparó el amplificador, cedido para la ocasión por César Tomás, profe de la escuela, y un ordenador portátil donde tenía una serie de acordes en progresión grabados con un piano sólo.

A continuación empezó sin más esa masterclass inolvidable.

Comenzó comparando el piano con la guitarra, el piano es lineal, siete teclas blancas y cinco negras, esa es la escala cromática y se repite de la misma manera a lo largo de todas sus octavas, en cambio en la guitarra, hay notas repetidas y puedes tocar horizontal o vertical o sus múltiples combinaciones, hay que verlo como tridimensional.

Hizo una frase muy simple en las distintas partes del mástil.

Luego dijo, se trata de aprender el instrumento, pero verlo en tres dimensiones y no en dos como el piano.

Recordó que en el piano solo puedes ir a la izquierda o a la derecha, en cambio en la guitarra hay un norte (6ªcuerda),un sur (1ªcuerda), un este (traste 0) y un oeste (puente).

A partir del acorde aumentado C (CEAb) y bajando una a una, medio tono cada una de sus voces salían los tres acordes mayores, y curiosamente, subiéndolas, surgían sus relativos mayores, y como cada 4 trastes se repiten las mismas notas, cuatro posiciones por tres voces, primer milagro, hemos conseguido las 12 notas de la escala cromática.

Con el acorde disminuido hizo lo mismo, pero sólo bajando medio tono cada una de sus voces, y surgian así 4 acordes dominantes.

Como el acorde disminuido,cada tres trastes se vuelven a repetir las mismas notas, otra vez el milagro, tenemos 4 voces por 3 posiciones, otra vez la esca cromática.

Es el caged (sistema de movilidad de acordes partiendo de los básicos C,A,G,E y G) pero bastante más complejo.

Toda esta espesa pero eficaz teoria iba aderezándola con ejemplos puntuales, que hoy en dia se pueden encontrar en Internet sin el menor problema…pero no sus comentarios.

El decía, por ejemplo, que el momento más desagradable cuando era niño, era cuando estaba jugando y justo, a él, le parecía que era el momento más sublime, su madre le llamaba para recordarle que hiciera los deberes, los hacía corriendo y volvía a jugar, supongo que en el momento de descubrir esos sistemas nadie le interrumpió, porque realmente son de una gran profundidad.

También recalcó su formación autodidacta y su profundo y complejo trabajo con la guitarra, así como tener un don especial para ello y recalcó a todos que intentáramos descubrir eso para lo que realmente servimos en la música.

Nos preguntó cuantos guitarristas habían en la sala, cuantos pianistas, baterias, saxos…;

Habló también que el piano sumaba, la guitarra multiplicaba, la batería dividía, también la trompeta divide, todos estos aspectos fueron los que le ayudaron a buscar esos acordes con los que entender la guitarra como instrumento, verlo de una manera tridimensional, y claro la geometría le ayuda a explicar lo que él ve con absoluta claridad.

Y comenzó a explicar la teoria musical que sale de esa geometría, para entender, repito, el aspecto tridimensional del instrumento.

Nos preguntó si todos llevábamos reloj…bueno es otra época y casi nadie, curiosamente, llevaba reloj de pulsera.

Sacó el suyo y nos enseñó que las 12 era el norte, las 6 el sur…etc, pero lo identificó con el sistema del circulo de cuartas, las 12 es C, las 6 Gb, las 3 Eb, las 9 A, hay estaba, el cuadrado, el acorde disminuido, progresando por terceras menores y si pensamos en el aumentado….las 12 es C, las 4 es Ab, y las 8 es E, hay está el triangulo, el acorde aumentado. Segundo milagro.

¿Para qué sirve todo esto? Sobre todo, para entender toda la relación entre acordes, y para poder crear más tarde, todo un sistema de sustituciones, para poder tocar, en su caso, todo el rato menor. Tocó sobre la progresión grabada, era una serie de acordes complejos y lo redujo todo a mayores y menores.

Aprovechó este ejemplo para decir que un lenguaje todo consonante, llega a aburrir y uno todo disonante inquieta demasiado, pero si mezclas ámbos es perfecto.

Él no piensa en escalas, piensa en consonante y disonante.Claro, todo ello, cada uno de los ejemplos, estaban tocados con un tempo y un gusto exquisitos.

Yo tenía preparadas una serie de preguntas, pero estaba todo respondido y cuando iba a pregunta algo…técnico, decía algo como esto:

“Yo no cojo el tenedor para practicar antes de comer, simplemente lo cojo y como. El trabajo de aprendizaje con la guitarra ya lo he hecho, ahora simplemente la cojo y toco”.

Hay que entender que su trabajo con la guitarra ha ido más allá de conocer las notas en el mástil. Todo lo que armoniza lo ve a través de este sistema.

Él, comprende perfectamente el instrumento y lo usa, por fín, con completa libertad, dentro de un sistema de minorización creado por el mismo. Ese es el cuarto milagro, la minorización.

Crea una serie de espacios, como las cinco digitaciones de una escala pentatónica, con esas zonas juega y con un práctico sistema de digitación, muy sencillo, siempre el dedo 1 ó el dedo 4 de la mano izquierda, salvo en el caso de la segunda cuerda en la que puede usar el dedo 3, mezcla las digitaciones de varios tonos, sustituciones de los acordes originales, no me quiero extender aquí, porque el que esté muy interesado puede conseguir infinidad de buenos ejemplos en su web o sus foros.

Echarle una ojeada profunda poque de verdad merece la pena.

Resumiendo, mucha información eficaz en poco tiempo y contada de una manera serena, humana y con un gran sentido musical.

Texto: Arturo Blasco ( Profesor de Guitarra de Jam Session Escuela de Música ).

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MASTER CLASS DE PAT MARTINO PAT MARTINO POR CESAR TOMAS.

22 discos como leader y más de 40 como sideman, en discográficas tan legendarias como Prestige o Blue Note y estudios tan emblemáticos como los de Rudy van Gelder. Ha tocado con infinidad de artistas tales como Jack McDuff, Don Patterson, Woody Herman, Cedar Walton, Mike Mainieri, Joey Baron, Marc Johnson, Bill Stewart, Mike Stern, Les Paul, Joe Lovano, Gonzalo Rubalcaba, Christian McBride, John Patitucci, Zakir Hussain, Randy Brecker, Dave Liebman, Al Foster, Uri Caine, Kenny Garrett, Steve Gadd, Stanley Clarke, etc. pero PAT MARTINO...EL HOMBRE es mucho más.

Y es que sin duda Pat Martino ha sido y sigue siendo una leyenda viva del Jazz...Si, de aquel jazz que oímos en los discos que todos tenemos como referencia en nuestra fonoteca (junto a Charlie Parker, Miles Davis o John Coltrane). Los que estuvimos el pasado 14 de abril en el auditorio de Jam Session vivimos una experiencia que raramente volverá a repetirse. Disfrutar del bagage y de la forma de entender la música de alguien que vivió aquellos momentos de la vanguardia del hard-bop de los 60, y con los que volvió a deleitarnos en su concierto del día siguiente, con referencias tan claras a Wes Montgomery y a John Coltrane, será lo más cerca que estemos en toda nuestra vida de todo aquel movimiento.

Además, PAT MARTINO...EL MUSICO supo transmitirnos su filosofía, su pasión, su vivencia, su sufrimiento y su forma de entender la guitarra. Pat mostró su filosofía en la música como 2 polos opuestos: norte-sur, este-oeste, notas-silencios, consonancia-disonancia, horizontal-vertical, bonito-feo y un sinfín más de referencias que deberían hacernos reflexionar a la hora de mostrar un lenguaje y una personalidad propia tanto en la música como en la vida y no repetir únicamente un lenguaje ya existente y exclusivamente academizado. Y digo exclusivamente, no porque no sea necesario, que si lo es, sino porque es complementario y a la vez opuesto. Según Pat, hay que conocer los opuestos para llegar al equilibrio.

Sobre su forma de entender el instrumento, Pat lo simplifica hasta el punto de verlo como algo físico y por ese motivo descarta la visión del piano que todos tenemos (que sin lugar a dudas es la mejor para entender el lenguaje musical). Sin entrar en detalles, ya que toda la información que se explicó en el clínic está disponible dentro de su web en el link “The Nature of Guitar”, PAT MARTINO...EL GUITARRISTA entiende su instrumento como un sistema de 2 ejes (trastes-cuerdas), como una matriz, como un mapa... simplificando, como el símbolo de multiplicar que todos conocemos (x) en lugar de una suma (+) que existe en el piano (7 teclas blancas + 5 negras).

En la guitarra todos los trastes son iguales (no hay trastes blancos ni negros) por lo que las 12 notas existentes, Pat las ve como un reloj (12 horas) donde cada hora es un semitono. Dentro de este reloj, él visiona figuras geométricas entendibles hasta para un niño de 5 años como son el Triángulo y el Cuadrado. A partir de ahí, transportando el triángulo según las 12 notas/horas surge un sistema de 3ª mayores que forman un acorde tríada aumentado y lo busca en la guitarra (como si fuera un CAGED) en cada grupo de 3 cuerdas. Lo mismo hace con el cuadrado donde el sistema es de 3ª menores formando un acorde cuatríada disminuido en grupos de 4 cuerdas (son sistemas que nos recuerdan mucho a Coltrane, que no era guitarrista, y su Giant Steps).

A partir de uno de los “padres” de la guitarra, el aumentado, cada vez que una voz sube un traste surge un acorde menor y si lo baja, éste se convierte en mayor, siendo relativos cuando se mueven en la misma cuerda. Ejemplo: a partir de C Aumentado (C E Ab), si subimos la última voz (Ab) aparece el acorde de A menor y si esta voz la bajamos (G) aparece el acorde C mayor, que son relativos.

Esto es muy interesante puesto que el acorde aumentado se repite en su forma y si lo movemos 4 trastes más arriba nos pasa exactamente lo mismo pero en una de sus tres disposiciones o inversiones. De esta manera, tenemos 4 acordes aumentados diferentes que nos dan 3 mayores y 3 menores cada uno, es decir los 12 acordes de ambas especies en un espacio de 4 trastes y 3 cuerdas. Si esto lo extrapolamos al resto de trastes y de cuerdas, obtenemos un mapa de la guitarra mucho más intuitivo y opuesto al que todos conocemos (o sea una visión complementaria, no sustitutiva).

Lo mismo sucede con el otro “padre”, el disminuido, donde cada vez que bajamos una de las voces obtenemos el acorde de dominante (mayor con 7ª menor) tan utilizado en casi todos los estilos de la música moderna (blues, jazz, rock, funk, country, etc.). Si subimos una de las voces, se obtiene el acorde menor 7ª con la b5, más utilizado en el jazz. En fin, un sistema válido para cualquier guitarrista sea del ámbito que sea.

Todo esto en cuanto a acordes, pero en su polo opuesto visiona las melodías a partir de la escala donde él se encuentra más cómodo, la escala menor. Pat utiliza un concepto llamado “minorización”, donde siempre utiliza una o varias escalas menores sobre cualquier acorde como una sustitución (recurso muy utilizado en el jazz) basándose en otros dos conceptos opuestos, consonancia y disonancia. A partir del intervalo más consonante (5J) y del más disonante (2m), construye sus frases melódicas según la historia que desea contar en ese momento (lo que sería el concepto de la improvisación, vamos).

Ejemplo: en una frase muy típica en el jazz, el II-V-I (Dm7-G7-Cmaj7), sobre el Dm7 utiliza la escala menor de Re; sobre el G7 puede utilizar 2 opciones, la consonante a partir del intervalo de quinta justa que sería continuar con el Dm (obteniendo la tensión 9) o la disonante a partir del intervalo de segunda menor tocando Abm (obteniendo las tensiones b9 y b13) y sobre el Cmaj7 puede utilizar su relativo menor, o sea, Am. Todas estas escalas o fraseos menores son combinados mediante cromatismos de paso y cambios de posición (según la visión de Pat, las diferentes habitaciones de la casa) con una rítmica base de semicorcheas y gran velocidad, rasgos claros del estilo hard-bop que domina sin problemas.

Finalmente, PAT MARTINO...EL COMPOSITOR respondió a las preguntas sobre su forma de componer, donde a partir de una experiencia propia desarrollo su manera de estar vinculado a la música en todo momento sin necesidad de estar al lado de su instrumento (Pat explicó que un día en que estaba tocando y disfrutando de su guitarra, tuvo que ir a la lavandería a buscar un traje para una actuación y le fastidió mucho tener que dejar lo que estaba haciendo para hacer esta otra tarea nada musical; pero aprendió que en todo lo que le sucedía durante el día, en la calle, en una conversación, en el claxon de un coche, vamos en todo, existía una musicalidad y una nueva idea a desarrollar).

De esa manera, Pat explicó que a la hora de componer se apoya en cualquier cosa menos en la guitarra, pues esta es algo físico y carente de sentimiento (es el canal de transmisión). Puede pensar en un paisaje, en una persona, en un sentimiento, etc. y utilizar otros recursos para desarrollar una idea musical, como por ejemplo, utilizar una asociación entre el alfabeto convencional y una escala musical, y a partir de palabras como bonito o feo construir una frase musical. Esto es algo que utilizó en uno de sus últimos discos, Think Thank, mediante asociación musical de las palabras “Coltrane, Tenor, Blue” y la escala menor.

En resumen, una M-A-S-T-E-R-C-L-A-S-S con todas sus letras, porqué lo que nos enseñó PAT MARTINO...EL GENIO es algo más conceptual (algo que no se aprende en una escuela) y lo que diferencia a los grandes músicos del resto.

Texto: Cesar Tomás ( Profesor de Guitarra en Jam Session Escuela de Música ).

Fotos: Luis Blanco y Sandra Sol.

COMENTARIOS QUE LOS ALUMNOS NOS HAN ENVIADO:

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Rosa M.C.

Hola Luis:
Sóc la persona menys indicada per enviar el resum doncs no se música. Però tinc un breu escrit en el meu diari personal i te'l faig arribar. És una de les maneres de donar-te les gràcies per la teva entrega i esforç de cada dia. Tu també ets un exemple de voluntat.

14 abril 2009

A les 21.h arriba a l?escola Jam Session, Pat Martino, guitarrista de jazz d?Estats Units.
Comparteix algunes de les seves vivències com a persona i les experiències com a músic.
És un home tan savi que és un plaer escoltar les seves paraules. Està ubicat en el aquí ara i té molt viu el concepte d?unicitat Un exemple de voluntat i confiança.

Un descubridor de nous camins en l?aprenentatge de la guitarra. Innovador d'un sistema basat en la geometria.
Els seus dits llargs, prims, són molt àgils. Interpreta que és una delícia. El seu estil és hard bop.

Rosa M.C.

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Xavi G.

Jo em quedo amb la frase que va dir al final... lo important és que ens dediquem a treballar en l'instrument allò en el que som bons i deixar-nos de tantes matades en coses que mai ens acàben de sortir bé.

Tots els seus aspectes teòrics els vaig trobar interessants però és la seva manera de veure-ho... i per mi és massa blanc o negre... va estar molt interessant i curiós el que fa amb l'alfabet per compondre...

Jo el recordaré com un filòsof de la guitarra... amb un toc de fanàtic degut a el que li ha tocat viure, que les ha passades molt putes pel que va dir.

Em va agradar molt però vai trobar a faltar que toqués una mica més...

De totes maneres, moltes gràcies a la direcció de jam Session per l'oportunitat de veure'l!

Xavi G.

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Eva C.

Hola, estuve en la master class de Pat Martino y me encantó. Pienso que este hombre nos dió una lección como guitarrista y como persona; aparte de sus aportaciones a la música (el método geométrico que ha desarrolado, su forma de tocar, etc.) nos quería hacer llegar la idea de que debemos disfrutar tocando, dedicarnos a lo que mejor sabemos hacer con pasión y ilusión, no de forma mecánica, creer en nuestras posibilidades y no sólo en lo que dicen los demás.Conectó muy bien con el público por su acercamiento cuando dijo que necesitaba interaccionar con la gente y que le preguntaramos cualquier cosa que le preguntaríamos a nuestro profesor de guitarra.
En definitiva, creo que fue un privilegio escucharlo tocar la guitarra y hablar. A mi me inculcó optimismo y entusiasmo por la vida y por la música.

Saludos,
Eva C.

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Angels V.

Antes que nada, quisiera felicitar al equipo del “Jam” por darnos la oportunidad de conocer tan diversas personalidades musicales.

En este clinic, he de reconocer que al principio daba un poco de “miedo” ante tal avalancha de conceptos: los opuestos, puntos cardinales, esfera de reloj, poner los 12 sonidos en fila y luego unirlos en círculo…

Quedó muy claro lo de que el piano suma y la guitarra multiplica (dado que un mismo sonido se encuentra en diversos lugares del mástil).

Todo y que me iba perdiendo a ratos (no domino el inglés i los traductores creo que no daban abasto) creí entender un poco la intención de Martino: se proclamaba autodidacta o sea que él mismo eligió libremente cómo aprender a tocar y cómo entender la música. Lo organizó todo a su manera y sobre todo aconsejaba que no nos complicáramos, que lo mejor era la simplicidad (puso ejemplos de acordes “padre” de los que moviendo un dedo generaba “hijos”).

En resumen, como él mismo decía, es muy difícil sintetizar en dos horas toda la experiencia de una vida dedicada a la música. Sólo me gustaría recordar una frase que dijo y que quedó grabada a “fuego” en mi mente y llevo reflexionando sobre su significado desde ese día: CUIDADO CON LO QUE PRACTICAIS.

Àngels V.

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Miquel C.

Hola.

Hace tiempo que toco la guitarra , pero académicamente hace poco que me estoy formando en vuestra escuela (aprox. 14 meses , desde Febrero del año pasado), por lo que se poco sobre los métodos de enseñanza y aprendizaje.

Lo que sí llegué a percibir es que el método de Pat es muy intuitivo y podría formar parte , si no en su totalidad , sí en los aspectos que mejoren el aprendizaje de este instrumento. Muy interesante : Su visión dimensional del instrumento , acordes o escalas "padre", formación de los acordes a partir de los disminuidos y aumentados, etc...

Un saludo. Miguel

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Más información en:

FOTOS : Todas las fotos del clinic workshop de Pat Martino:

http://www.patmartino.com/

http://www.theproject.es/

P.D.: La organización de Jam Session quiere agradecer a todos los alumnos y profesores que han participado en éste evento. Gracias también a la organización de The Project por su excelente colaboración para el workshop y su coordinación para el concierto del dia siguiente. Muchas Gracias también por el descuento en las entradas.

Como algo anecdótico, podemos deciros que nos llevamos a Pat Martino y a su banda ( órgano hammond : Tony Monaco, y batería : Louis Tsamous), más el personal manager e ingeniero de sonido ( Kirk Yano ) , a cenar a un vasco.

Durante la cena Pat nos mostró una especie de Ipod con imágenes de como previsualiza musicalmemte cada objeto que ve. Nos explicó que Jeroni y César ( ambos en la mesa ) eran los opuestos, y nos contó como traslada su filosofia musical a las personas. Al dia siguiente en el concierto, pudimos observar la disparidad opuesta entre sus dos músicos ( el hammonista y el baterista ) entre los que Pat desarrolla sus improvisaciones.

Hemos leído algunas críticas disparatadas en la prensa, sobre si el hammonista sobreactuaba ( para algunos críticos era muy bueno y para otros no lo era tanto ) pero nosotros, gracias a la master-class de anterior dia y la cena en la que nos explicó como traslada la filosofía musical a la vida, pudimos entender la mecánica de su trio. Pat Martino no es solo un guitarrista, es un músico que responde con estímulos musicales a la vida en general, y los lleva a la práctica más allá de una guitarra o un escenario.

Hasta Siempre.
Equipo de Jam Session
http://www.jamsessionescuelademusica.com/